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MATCH: DEEP INSIDE

Fri, 25 Apr 2025 21:40:48 GMT

MATCH: DEEP INSIDE

Die Ausstellung MATCH: DEEP INSIDE entfaltet sich als dialogisches Denk- und Raumgefüge. Für diese gemeinsame Ausstellung entwickeln Petra Gell und Tanja Hehmann eine räumlich durchdachte Konstellation. Ihre jeweils eigenständigen künstlerischen Positionen, Malereien, aber auch ortsspezifische Installationen und eine Videoarbeit, treten darin in Beziehung: Sowohl Verbindung als auch Differenz werden erfahrbar. Ihre Werke begegnen einander: Das Flüchtige und das Verbindende stehen sich gegenüber, das Experimentelle erweitert das konkret Anmutende. Dieser komponierte Denkraum folgt dem künstlerischen Impuls in ein Inneres.

Die Ausstellungsräume des Kunstvereins Baden zeigen folglich keine klassische Werkschau: Gell und Hehmann entwickeln im Wechsel von Diskurs und künstlerischer Setzung eine situative Gesamtinstallation. Ausgangspunkt ist der konkrete Ort: Seine städtebauliche Lage, seine Architektur, seine räumlichen Atmosphären; die Architektur wirkt dabei nicht als neutrale Behälterstruktur, sondern agiert als raumdefinierendes Element mit eigener Sprache. Raumgliederung, das Verhältnis von Transparenz und Geschlossenheit, von Nähe und Rückzug – all dies ist integraler Bestandteil der künstlerischen Konzeption.

Die große Glasfassade zur Stadt bildet eine Schwelle zwischen Innen- und Außenraum, die Übergang und Distanz zugleich thematisiert. Sie ist transluzenter Filter und Reflexionsfläche in einem. Sie spiegelt das Außen im Innen. Sie ist optisches sowie auch konzeptuelles Element. Der Begriff „Firnis“, in der Malerei die durchsichtige Lasur oder Schutzschicht, beschreibt diese Zäsur zwischen Sichtbarkeit und Abgeschlossenheit präzise – und weist zugleich auf das ambivalente Verhältnis zwischen Betrachtung und Teilhabe hin.

Diese Grenze markiert den Beginn einer inhaltlichen Schichtung, die sich nach Innen fortsetzt – und dabei der Struktur des Raumgefüges folgt. Aus der städtischen Öffentlichkeit führt der Weg in eine Abfolge zunehmend abgeschirmter Zonen. Die Ausstellungsdramaturgie nutzt diese Anordnung bewusst: Lichtverhältnisse, Raumschnitt und Blickachsen erzeugen unterschiedliche Atmosphären. Der Raum wird zum (Bild-) Träger subjektiver Wahrnehmung.

Gell und Hehmann greifen diese raumtypologischen Bedingungen auf – jede für sich, aber auch gemeinsam – und antworten mit ortsspezifischen Arbeiten, die die architektonische Setzung nicht nur bespielen, sondern transformieren.

Gell arbeitet mit farbigen und körpernahen Strukturen, deren malerischer Zugriff die Grenze zwischen Fläche und Raum auflöst. Ihre Arbeiten lassen keine eindeutigen Lesarten zu, sondern betonen Zwischenzustände: Freistellen, Andeutung, latente Bewegung. Dies bezieht sich auch auf das übergeordnete Thema Gells, Gender in Space.

Hehmann hingegen denkt in zeitlich-räumlichen Bildordnungen. Ihre Malerei ist prozesshaft, vielschichtig und fragil. Themen wie Erinnerung, Transformation, Werden und Vergehen strukturieren ihre Werkzyklen und zeigen sich im Spiel mit Materialität.

Gemeinsam ist beiden Künstlerinnen das Interesse am Nicht-Eindeutigen. Die Werke lassen eine Offenheit zu, in der Ungewissheit keine Leerstelle bildet, sondern ihr eigenes Potenzial entfaltet: ein Angebot zur Verbindung, getragen von Präsenz, Aufmerksamkeit und dem Mut, sich berühren zu lassen. Gleichzeitig eine Aufforderung, Reibung als Teil des Ganzen zu begreifen um den Kontaktpunkt wechselseitiger Resonanz zu halten.

An der Grenze des Sag- und Sichtbaren erzeugt MATCH: DEEP INSIDE Raumbilder, die nicht beschreiben, sondern befragen. In diesem kuratorischen Gefüge wird das Individuelle nicht aufgehoben, sondern neu verortet. Es ist ein facettenreiches Verhandeln zwischen Zusammentun und Eigenständigkeit. Ein Verhandeln darüber, die persönliche Ebene in den Raum zu tragen.

Im Verlauf der Ausstellung vollzieht sich dementsprechend eine Umkehrung. Der Verweis auf ein räumliches oder psychologisches Innen wird zur Denkfigur: Die Architektur wird lesbar als Struktur, die Tiefe in der Wahrnehmung ermöglicht. Die visuelle Setzung verweist auf einen „Matching Point“: Der oberste Raum der Ausstellung – architektonisch ein Dachgeschoss, metaphorisch ein „Denkstübchen“ – wird selbst zur verräumlichten Metapher und beherbergt jenen flüchtigen Moment, in dem das Ausgeblendete, das Unterbewusste, Form annimmt. Im Zentrum steht die Frage nach dem Eigenen – und wie es sich in Beziehung setzt.

MATCH: DEEP INSIDE verweist auf eine Denkfigur, die sich zwischen Bewusstem und Unbewusstem, zwischen Sehen und Verstehen, zwischen Konkretem und Abstraktem bewegt. Eine Einladung – vielleicht auch eine Herausforderung – das anschlussfähige System aus Andeutungen, Setzungen und Leerstellen zu einem eigenen zu machen.

Die Ausstellung ermöglicht eine Rezeption, die sich nicht auf das Objekt reduziert, sondern die eigene Wahrnehmung als wesentlichen Teil des Erlebens begreift. Raum wird zu Erfahrung, Kunst zu Denkarchitektur. Und MATCH: DEEP INSIDE wird damit zu einem Ort der Reflexion – über Kunst, über Raum und über das, was im Innersten wirkt.

Ausstellung

Kunstverein Baden

Beethovengasse 7

2500 Baden bei Wien

Österreich

Vernissage 26.04.2025

Ausstellung 27.04. – 12.06.2025

Credits

Foto: Michael Kofler

Ausstellungstext: Hilke Ludwigs

Kuratorin Kunstverein Baden: Katja Stecher

Let´s cross-innovate!

Wed, 01 Nov 2023 00:36:20 GMT

3 Tage Sprint = 2 innovative Lösungen

Steigende Komplexität, Ungewissheit, große Herausforderungen. Jede Branche bewegt die Frage, wie sie mit Veränderungen umgehen kann, die durch die Pandemie ausgelöst wurden. Im Resilience Sprint entwickelte ich in Co-Kreation mit Rio, für und mit einem Versorgerunternehmen aus Hamburg schnelle Lösungen und nachhaltige Ideen zur Resilienzstärkung. Das übergeordnete Thema war hier „Kulturwandel“ im Unternehmen, das nicht zuletzt durch die Energiekrise einen hohen Transformationsbedarf erlebt, intern allerdings mit diesem Thema an Grenzen stößt.

Das Format baut auf co-kreatives Arbeiten. In aufeinander aufbauenden Modulen gehen wir im Team gemeinsam durch einen Ideation-Prozess. Am Ende entstehen nicht nur ein, sondern zwei funktionale Lösungsansätze, die sich mit internen Prozessen sowie räumlicher Gestaltung des Innovationsvorhabens auseinandergesetzt haben- sowie auch zwei konkrete Aktionspläne.

Special Thanks an Susanne, Svenja und Lukas, an Raffaela und KollegInnen, an Stephan für die tollen Fotos, und an Rio von obj.studio - best partners in crime and creativity!

Fotos

Stephan Kiefer, Hongkong Studios Hamburg

One Sky Flags: Horizonte der Freiheit

Tue, 03 Oct 2023 10:58:26 GMT

One Sky Flags. Horizonte der Freiheit

Auf dem Flaggenplatz am Hamburger Jungfernstieg wehen meist Fahnen von Unternehmen, die auf und um die Alster zu finden sind.

33 Jahre nach dem Berliner Mauerfall macht die Künstlerin Yvonne Lee Hahn mit ihrem partizipativen Kunstprojekt "One Sky Flags" die Gefühle der Nation sichtbar, die diese mit dem Tag der Deutschen Einheit verbinden: Wo erleben wir Freiheit? Welche Grenzen wollen wir überwinden? Was wünschen wir uns für die Zukunft?

Menschen aus ganz Deutschland sind eingeladen, ihre Perspektive auf ein Leben in Freiheit, Demokratie und Einheit mit einem Foto vom Himmel auszudrücken. 16 Bundesländer- 16 Himmelsflaggen.

Das partizipative Kunstprojekt geht am Standort in Hamburg nun in eine weitere Runde, und so passt es zusammen, wenn Hamburg sich selbst als Tor zur Welt versteht. 2019 wehten 28 Flaggen vor dem Europäischen Parlament in Strassburg, vor dem UN Hauptquartier in New York waren es die 195 Flaggen der Mitgliedsländer - andere Ausstellungen im öffentlichen Raum finden im großen und kleineren Maßstab ebenfalls statt.

YLS Yvonne Lee Schultz arbeitet für dieses Kunstprojekt in Kooperation mit der Bundesstiftung zur Aufarbeitung der SED-Diktatur und der Stiftung Berliner Mauer , unterstützt von Gedenkstätte Berlin-Hohenschönhausen , Gedenkstätte Point Alpha in Geisa , Gedenkstätte Deutsche Teilung Marienborn und dem Focke-Museum – Bremer Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte .

Alle Ansichten des Himmels über Deutschland mit Beiträgen der Teilnehmenden finden sich auf der Homepage von Yvonne Lee Schultz .

Textbeitrag

Hilke Ludwigs

Foto Credits

Foto 1, 2: redroses communications GmbH, Hamburg

Foto 3, 4, 5: Hilke Ludwigs

SHIFT

Mon, 17 Jul 2023 20:58:00 GMT

KI, Kunst und Architektur - eine dekonstruierte Gemeinschaft?

Über die Ausstellung "SHIFT - KI und eine zukünftige Gemeinschaft" im Marta Herford

SHIFT stellt zur Schau: Den Wechsel, das Pendeln, die Weiter-Bewegungen zwischen Mensch und Technik, Kunst und Wissenschaft. Es geht um Übergang, es geht um Verschiebung.

Die Gruppenausstellung ist im aktuellen Wissenschaftsdiskurs verwurzelt und definiert sich mit betont interdisziplinärem und dialogischem Charakter zwischen KünstlerInnen und WissenschaftlerInnen, zwischen Marta Herford und Kunstmuseum Stuttgart und zwar in erster Linie als ein Projekt und nicht als „theoretische oder technische „Leistungsschau“: Die Werke neun internationaler Künstler:innen beziehungsweise Künstlergruppen fragen nach einer ethischen Verantwortung im Umgang mit KI und machen zugleich die vielfältigen inhaltlichen Zusammenhänge von KI mit den Mitteln der Kunst sinnlich erlebbar.“ So das Vorwort im gleichnamigen Ausstellungskatalog. (1)

Die Ausstellung versteht sich als eine Entdeckungsreise entlang des aktuell so brennenden Diskurses um die Zukunft der Gemeinschaft: „Inwiefern gleichen oder unterscheiden sich menschliche und künstliche Intelligenz voneinander? Wie verhält sich KI zu Konzepten von Vernunft, Freiheit und Verantwortung? Was ändert sich, wenn KI nicht nur intelligenter wird, sondern zunehmend auch biologisch eingebettet ist? Wo liegt das kritische Potenzial von KI? Und schließlich: Kann KI die Welt vielleicht sogar humaner machen?“ (2)

In der dekonstruktivistischen Gebäudehülle aus der Feder des Architekten Frank O. Gehry spannen sich riesige Kabel zu Netzen, Zöpfen, Kokons, Trichtern, unzähligen und mannigfaltigen Raumeindrücken und Möglichkeiten: Videoarbeiten, Projektionen, Modelle und digitale Thesen behaupten sich gegeneinander und erzählen von konkreten Visionen oder visualisieren uncanny dreams der Maschinen.

Die Vielfalt der künstlerischen Positionen überlagern sich, erweitern einander und fordern mich in ihrer Lautstärke, Intensität, Komplexität und Aussagekraft. Es gibt lautere wie leisere Arbeiten, sogar Poesie lässt sich entdecken, auch etwas Nostalgie (umhüllt als Stereoskopie, für deren Betrachtung man auf eine Art Sonnenbrille zurückgreift, was doch immerhin bereits eine längst bekannte Größe des 3D Kinos ist). Auch gibt es kritische Aussagen, die im Kontrast zu einem möglicherweise freundlichen Blinzeln stehen. Und es gibt ein Naturerlebnis, auch wenn es streng genommen sein digital-technisches Raumabbild ist.

Kurzum: Nicht alles wirkt dystopisch, unheimlich oder futuristisch, und es wird deutlich, dass KI mit seinen Anwendungen wie ChatGPT, DallE2, Dreamstudio und Midjourney zwar innovativ aber dennoch auch schon ein Teil der digitalen Anwendungslandschaft auf Smartphone und Laptop geworden sind.

Es ist wie mit Gehrys Museumsarchitektur, deren innere und äußere Raumwirkung sich mit jedem Perspektivwechsel, mit jeder meiner Bewegungen neu ausformuliert. Um SHIFT in ihrer Gesamtheit zu verstehen braucht es genau dieses Hinsehen. Diesen neugierigen Blick. Ein Blick, der abtastet, befragt, Thesen aufstellt und verwirft, Kontexte erschließt und gleichzeitig Denkräume und Interpretationsebenen offenhält. Ein Blick, der forscht.

Doch wie immer geht es natürlich auch ganz anders, denn die Ausstellungstexte helfen beim Einstieg, verweisen gezielt und zutreffend auf Inhalte und Leitfragen der künstlerischen Positionen. Inwieweit die interessierte Person ihren eigenen Gedanken und Ableitungen folgen möchte, ob nun Google, Wikipedia oder ChatGPT ins Spiel kommen ist auch hier subjektiv.

„Steyerl gehört aktuell zu den international wichtigsten Positionen, wenn es um die Reflexion der gesellschaftlichen Rolle von Kunst und Museum geht, um das Experimentieren mit medialen Präsentationsformen und um die kritische Auseinandersetzung mit Daten und dem Einsatz von künstlicher Intelligenz.“ (3)

´ "You may not be interested in the simulation, but the simulation is interested in you.” Dieser an Leo Trotzkis angelehnte Satz könnte so etwas wie der Leitspruch von Hito Steyerls Social Sim (2020) sein.´ So formuliert es Clemens Apprich.

Erlebenswert ist diese immersive, dichte Arbeit, und ganz offensichtlich ist sie darüber hinaus ein Black Cube im White Cube (4) .

Oder ist die Ausstellung selbst der Black Cube? Am besten machst Du Dir ein eigenes Bild, denn, so oder so: Es bleibt spannend.

Credits

Die Ausstellung wurde gemeinschaftlich entwickelt vom Museum Marta Herford und dem Kunstmuseum Stuttgart.

Die Ausstellung läuft in Herford vom 17.06. bis zum 15.10.2023.

Direktorinnen: Kathleen Rahn (Marta Herford), Dr. Ulrike Groos (Kunstmuseum Stuttgart)

Kuratorisches Team: Roland Nachtigäller, Friederike Fast, Ann Kristin Kreisel, Dr. Eva-Marina Froitzheim und Alina Grehl

KünstlerInnen

Louisa Clement, Heather Dewey-Hagborg, Christoph Faulhaber, kennedy+swan, knowbotiq, Christian Kosmas Mayer, Philippe Parreno, Hito Steyerl und Jenna Sutela

Katalog

Publikation „SHIFT – KI und eine zukünftige Gemeinschaft“ mit Texten von Clemens Apprich, Rosi Braidotti, Jessica E. Edwards, Friederike Fast, Christoph Faulhaber, Eva-Marina Froitzheim, Alina Grehl, Ulrike Groos, N. Katherine Hayles, Hans Dieter Huber, Elizabeth E. Joh, Andreas Kaminski, Ann Kristin Kreisel, Anika Meier und Luciana Parisi und Kathleen Rahn. Herausgegeben von Marta Herford gGmbH und Kunstmuseum Stuttgart, Wienand Verlag, 2023

Quellen

(1) "SHIFT. KI und eine zukünftige Gemeinschaft", Kunstmuseum Stuttgart und Museum Marta Herford (Hg.), 2023, Köln, S. 8

(2) Ebenda, S. 14

(3) Ebenda, hierin der Beitrag „Meanwhile … Die Soziale Revolution“ auf S. 102 ff.

Clemens Appich ist Professor für Medientheorie an der Universität für Angewandte Kunst Wien.

(4) Nachzulesen in der Pressemitteilung der Kunstsammlung NRW vom 14.08.2020, in der die Direktorin Susanne Gaensheimer,

das Werk insbesondere auch in den Kontext zur musealen Institution setzt.

https://www.kunstsammlung.de/press/Medien-Mitteilung_Hito_Steyerl_14.8.2020.pdf

Fotos

ARTELIER ATMOSPHER, zum Teil aus o.a. Katalog

Kunst goes Ku´damm

Wed, 26 Apr 2023 17:25:11 GMT

current surface - Kunst am Ku´damm in Berlin

Wie bringt Kunst uns dazu, hinter die Oberfläche zu schauen und die Welten hinter einer zweidimensionalen Oberfläche zu entdecken?

Inwiefern prägt der Begriff der Oberflächlichkeit die Kunst – oder kann und muss sie sich von diesem Begriff distanzieren? Welche Konnotationen bringt „Oberflächlichkeit“ mit sich, und wie können diese überwunden werden?

In einer von Schnelllebigkeit und Social Media geprägten Zeit scheint vieles zunächst auf einen oberflächlichen „ersten Blick“ ausgerichtet - nicht zuletzt geprägt durch verschiedene gesellschaftliche Machtstrukturen und traditionelle Schönheitsideale, die

heutzutage sowohl in den Medien als auch in der Kunst stets präsent sind.

current surface versammelt vier Künstlerinnen, die sich in vier kleinen, eigens konzipierten Einzelausstellungen dem Thema widmen.

Ju Schnee, Elisa Klinkenberg, Annique Delphine und Janine Kuehn laden die Besucher*innen in den vier Containern im Eingangsbereich des POP KUDAMM in ihre Bildwelten ein und stellen ihre current surface auf ganz eigene Weise dar:

Annique Delphine untersucht den starren gesellschaftlichen Blick auf Weiblichkeit unter dem Motto „Reclaim the Feminine“, Ju Schnee spielt mit der Diskrepanz zwischen haptischen Oberflächen und virtuellen Welten, Elisa Klinkenberg verwandelt den Ort in ihren eigenen Center Court und Janine Kuehn beschäftigt sich mit der Übersetzung und Rückübersetzung natürlicher Oberflächen in digitale Farbflächen, indem sie mit digitaler und manueller Bildmanipulation experimentiert.

Die Oberfläche in current surface bildet also kein starres Konstrukt, sondern ist eine stets im Wandel befindliche Einladung zum

Abtauchen in eine Tiefe der Kunst und des eigenen Unbewussten.

Mit current surface zeigt die MeetFrida Foundation in der Zeit vom 26.04. bis zum 12.05.2023 bereits die zweite Gruppenausstellung anlässlich des Berliner Gallery Weekends.

Über POP KUDAMM

POP KUDAMM ist ein Ort für kulturelle Diversität und Erforschung des zukünftigen Miteinanders. POP KUDAMM trifft sich im Spannungsfeld zwischen Kunst, Forschung, Wirtschaft, Intellekt und Marke. POP steht für „Place of Participation“. Partizipation bedeutet Mitgestaltung, denn POP KUDAMM wird von allen gemacht.

Textbeitrag

MeetFrida

Fotos

ARTELIER ATMOSPHER

Creative Business Academy

Wed, 07 Dec 2022 22:37:16 GMT

Creative Business Academy: Boost für Unternehmen der Kreativwirtschaft startet aktuell in Hamburg.

Die Creative Business Academy der Hamburg Kreativgesellschaft hilft konkret, ein Projekt in eine profitable Entwicklung zu bringen und setzt dabei direkt am spezifischen Problem an. Egal, ob im Rahmen eines Projektvorhabens beispielsweise eine neue Software zur Automatisierung von Geschäftsprozessen eingeführt werden soll, ob nachhaltige Innovationen auf den Markt gebracht werden oder Support bei der Finanzplanung benötigt wird- diese Beispiele und auch künstlerische Vorhaben und der Ausbau eines digitalen Geschäftsmodells im Interior Design sind konkrete Vorhaben dieses Programms.

Die Creative Business Academy ist individuell zugeschnitten und rückt damit ein Projekt aus einem der Teilbereichen der Kreativwirtschaft ins Zentrum. Neben den Projekttreibenden, 30 Personen an der Zahl mit einer individuellen Herausforderung, umfasst die Academy weitere 30 FachexpertInnen. Versammelt werden kreative Experten, Profis aus Architektur, Bildender Kunst, Design, Film, Literatur, und Presse, Musik, Rundfunk sowie aus Software/Games und Theater/Tanz sowie Facilitatoren und Moderatoren der Kreativgesellschaft, die dieses selbstlernende Projekt entworfen haben und übergeordnet steuern.

Ich freue mich sehr, dass ich als eine der FachexpertInnen unterstützen darf und hierfür unter über hundert Bewerbenden ausgewählt wurde. Wen ich begleiten darf? Sagen wir es einmal anders- neben meiner Expertise im Feld von Temporären Architektur und Branded Spaces darf ich auch meine Kompetenz in Kunst einbringen. Welche Vorhaben denn nun weiterentwickelt werden? Stay tuned- davon erfährst Du im Newsletter. ...schon angemeldet?

Über die Creative Business Academy

Das Projekt „Creative Business Academy“ wird als Teil der Reaktion der Europäischen Union auf die COVID-19-Pandemie finanziert sowie im Rahmen des Hamburger Weiterbildungsbonus PLUS umgesetzt.

Special Thanks an Hannah und Marco für die wunderbare Organisation und Durchführung, an Tanja und Philip für die spannenden Fragen, an Mo für den gelungenen Impromptu Auftakt, an Philipp, Pippo, Elke, Barbara und Anja für die Speed Dates, an die "Pfadfinder" Andre und Paul, sowie an Benjamin und Christian für die IT Sicht auf die Dinge.

Fotos

Hamburg Kreativ Gesellschaft

ARTELIER ATMOSPHER

2 x 9 Positionen: DuoShow Berlin

Sat, 01 Oct 2022 21:40:48 GMT

MeetFrida goes "Beyond Space" in den Berliner Kant Garagen, und ...

MeetFrida zeigt im September 2022 eine Gruppenausstellung an zwei Orten, die beide Denkmäler sind- dem stilwerk Hamburg und den Kantgaragen in Berlin. Eine raumumspannende Kuration in neun Positionen.

Der Raum ist nicht nur kunstgeschichtlich Voraussetzung und Rahmen für künstlerische Betätigung, sondern vor allem auch kulturell, geopolitisch und soziologisch. Die Wandlungsprozesse der letzten Jahre – Digitalisierung, Corona- Pandemie, Klimawandel – und auch die akute Krise des Kriegs in der Ukraine haben den Begriff zusätzlich aufgeladen. Lebensraum, Stadtraum, Wohnraum, Bildraum und digitaler Raum sind nur einige Aspekte dieser Auseinandersetzung. Die Ausstellung BEYOND SPACE widmet sich daher den Fragen “Was ist Raum? Welche Machtprozesse gestalten Raum? Und in welchem Verhältnis stehen wir dazu?”. Sie tut dies zum einen durch eine klassische Ausstellung im MeetFrida Art Space, zum anderen durch eine Gruppenausstellung in Berlin im Rahmen der Berlin Art Week. Durch die inhaltliche Verschränkung der Themen einerseits, durch die Vernetzung der Orte im Sinne des kuratorischen Gesamtkonzepts andererseits entstehen weitere Ebenen, die durch die tieferliegenden, künstlerischen Positionen nachverdichtet werden.

In einer Zeit, in der private und öffentliche Raume ohne klare Grenzen ineinander übergegangen sind und auch der reale und digitale Raum immer weiter miteinander verwachsen, will die Ausstellung diesem Auflösen und Verschwimmen tradierter Raumerfahrungen nachgehen. Sie setzt daher in der übergeordneten Konzeption bewusst auf die Standorte Berlin und Hamburg als gegensätzliche und sich ergänzende Pole und wird darüber hinaus über AR (Augmented Reality) auch auf den digitalen Raum erweitert. Hier sollen neuartige digitale Möglichkeiten genutzt werden, um Kunst im digitalen Raum intervenieren zu lassen.

Im größeren Maßstab interpretieren wir das Konzept BEYOND SPACE auch auf das städtebauliche Umfeld der gewachsenen Stadt, deren Veränderungen im Brennspiegel der Pandemie deutlich verstärkt zu Tage treten. Die Funktion von Handeln und Versammeln, von Konsum und Kunst, von Demokratie und der Frage, wie die Gesellschaft zusammenleben will- sind wichtige Fragen, die sich nicht zuletzt im Stadtraum widerspiegeln.

Die Kant Garagen in Berlin sind ein historisches Parkhaus, das in den 1930er Jahren erbaut wurde und als eines der ersten seiner Art in Europa gilt. Das Gebäude ist ein Beispiel für die moderne Architektur der Weimarer Republik und steht heute unter Denkmalschutz. Es wurde von den Architekten Hermann Zweigenthal und Richard Paulick entworfen und zeichnet sich durch seine funktionalistische Architektur aus, die sowohl praktische als auch ästhetische Aspekte vereint. Die Kantgaragen waren eine innovative Antwort auf den zunehmenden Autoverkehr in Berlin und dienten als Modell für spätere Parkhauskonstruktionen - die Zu- und Abfahrt erfolgt über ein Rampensystem in Form ei Doppelhelix.

Das neue stilwerk Berlin wird am 08. Oktober 2022 eröffnet und bietet mit seiner Konzeption und Ausrichtung in sich ein vielschichtiges und differenziertes Raumgefüge, um das Ausstellungsprojekt BEYOND SPACE auch über die unterschiedlichen Raumqualitäten räumlich erfahrbar zu machen. Hier gibt es aktuell noch Freiflächen, die wir mit unserer Ausstellung bespielen und damit einen temporären Kunstort schaffen können, an dem Stadtentwicklung künstlerisch interpretiert und kreativ erfahrbar wird. Kunst und Architektur werden durch die übergeordnete Kuration weithin sichtbar verbunden und um eine wesentliche Bedeutungsebene erweitert.

08.09. - 20.10.2022 BEYOND SPACE im MeetFrida Art Space Hamburg

14.09. - 09.10.2022 BEYOND SPACE im MeetFrida Temporary Art Space Berlin, KantGaragen Berlin

Kundin: MeetFrida Foundation

Kuration: MeetFrida Foundation, Hilke Ludwigs, Johanna Schnell

Ausstellungsdesign: ARTELIER ATMOSPHER

Fotos und 3D Modell (Clip): ArtLand

Texte: MeetFrida , ARTELIER ATMOSPHER

Ausgestellte KünstlerInnen: Renata Palekcic , Ju Schnee , Petra Gell , Marc Einsiedel und Felix Jung , Jana Schumacher , Tanja Hehmann , Joana Lucas , Offbeat und Stephan Hohenthanner

2 x 9 Positionen: DuoShow Hamburg

Fri, 23 Sep 2022 20:34:59 GMT

MeetFrida in Hamburg goes "Beyond Space": Zwei Denkmäler, zwei Städte.

Im stilwerk Hamburg bespielt MeetFrida bereits seit 2021 einen großen ArtSpace mit wechselnden Ausstellungen und Residency-Programmen.

08.09. - 20.10.2022 BEYOND SPACE im MeetFrida Art Space Hamburg

14.09. - 09.10.2022 BEYOND SPACE im MeetFrida Temporary Art Space Berlin, KantGaragen Berlin

Kundin: MeetFrida Foundation

Kuration: MeetFrida Foundation, Hilke Ludwigs, Johanna Schnell

Ausstellungsdesign: ARTELIER ATMOSPHER

Fotos: ArtLand

Texte: MeetFrida, ARTELIER ATMOSPHER

Ausgestellte KünstlerInnen: Renata Palekcic , Ju Schnee , Petra Gell , Marc Einsiedel und Felix Jung , Jana Schumacher , Tanja Hehmann , Joana Lucas , Offbeat und Stephan Hohenthanner

Demnächst mal wieder Messe ...

Sat, 10 Sep 2022 22:36:38 GMT

Messesommer und Messeherbst

Noch ein Auftrag in geheimer Mission - das auch die Antwort, warum es hier im Blog seit Monaten so still ist.

NDA- was ist das eigentlich? NDA ist eine Abkürzung, die im Englischen häufig für Non-Disclosure Agreement verwendet wird. Die deutsche Übersetzung lautet Geheimhaltungsvereinbarung. Ja, Messe und Marken sind immer ein Geheimnis.

Meine Mentee Katharina sagt dazu: "Du bist wie eine Geheimagentin! Das ist superspannend, wenn Du nie etwas verraten darfst und man die ganze Zeit spekuliert, für welchen Kunden Du da gerade arbeitest!"

Ob ich das Geheimnis lüften darf? Da bin ich selber gespannt- stay tuned!

Kunde: X

Foto: IAA Transportation

IFA 2020 Special Edition

Tue, 06 Sep 2022 17:15:18 GMT

Throwback 2020: "Die IFA Special Edition positioniert sich zwischen Gestern und Morgen"

Die IFA 2020 Special Edition trägt ihren Namen zu Recht- alles ist anders, auch wenn einige Bausteine bekannt anmuten: Es gibt Conferences, Conventions und Exhibitions- als Live Event und digital. Die IFA 2020 ist ein Hybrid , der in beide Kanäle, live und digital, ausspielt. Ein Hybrid, der sich zwischen Vergangenheit und Zukunft positioniert. Aus dieser Haltung entwickelte die Messe Berlin in wenigen Monaten ein Format, das Teil der Lösung sein will - und dabei selbst zu einer eigenständigen Lösung wird.

Auch für ARTELIER ATMOSPHER ist diese IFA eine Special Edition, denn dieses Jahr durfte das Studio mit einem co-kreativen Konzept im Bereich der Pressekonferenzen unterstützen. Allen Änderungen in Inhalt, Ablauf, Funktion und Bespielung zum Trotz ist das Bühnendesign erhalten geblieben: Atmosphärische, hochfunktionelle Bühnen, um einen geeigneten Rahmen für die zahlreichen namhaften, internationalen Aussteller aus der Consumer-Electronics-Branche zu bieten. Auch die Messe Berlin und Ihren Partner nutzen diese Plattform.

Ein paar Zahlen

Eine Panoramabespielung über 90m Breite, die mit 7 Aufprojektions- Leinwände belebt wird. Die mittlere Wand ist gebogen, die Satelliten springen aus der Tiefe vor, um die Breite optisch zu gliedern. Hieraus ergeben sich 360qm, ideal für wirksam inszenierte Keynotes, worauf auch das bewusst reduzierte Design aus vertikalen Lichtstäben einzahlt: Abgependelte LEDs, farblich gesteuert, ziehen sich aus dem Bühnenrückraum ins Auditorium und sorgen mit ihrem farbigen Licht für Emotion. Die Bühne an sich mißt 5x28m. In der Horizontalen wird die Fläche bespielt, moderiert, Neuheiten enthüllt. Nicht zu vergessen: Die Beschallung.

Um dem Corona-bedingten Hygienekonzept Rechnung zu Tragen arbeitet das Format mit Set-Up Twins: Aus der wechselnden Raumbelegung ergibt sich nicht nur ausreichend Platz, sondern auch die notwendigen Zeitfenster.

Stages of Innovation?

Innovation bedeutet im wörtlichen Sinn „Neuerung“, „Erneuerung“. Im umgangssprachlichen Sinn wird der Begriff für neue Erfindungen und Ideen verwendet, sowie für deren wirtschaftliche Umsetzung.

„Im engeren Sinne resultieren Innovationen erst dann aus Ideen, wenn diese in neue Produkte, Dienstleistungen oder Verfahren umgesetzt werden, die tatsächlich erfolgreiche Anwendung finden und den Markt durchdringen. … Der komplementäre Prozess zur Innovation ist die Exnovation, die Abschaffung von nicht mehr wirksamen oder gewünschten Prozessen, Produkten oder Technologien.“

Ich bin gespannt, wohin die Reise geht. Eins scheint sicher: Zurück ist wohl eher nicht die Idee.

Credits

Messe Berlin, Aventem Audiovisuelle Dienstleistungen GmbH

Bilder

Hilke Ludwigs

Quelle

Wikipedia Eintrag „Innovation“, abgerufen am 7.9.20

Throwback IFA 2020

Sun, 28 Aug 2022 22:30:50 GMT

Die IFA 2020 Special Edition positioniert sich zwischen Gestern und Morgen

Thowback 2020! Wie die Messewelt vor 2 Jahren aussah ...

Ein Blogpost aus der Zeit, als sich alles veränderte:

Die IFA 2020 Special Edition trägt ihren Namen zu Recht- alles ist anders, auch wenn einige Bausteine bekannt anmuten: Es gibt Conferences, Conventions und Exhibitions- als Live Event und digital. Die IFA 2020 ist ein Hybrid , der in beide Kanäle, live und digital, ausspielt. Ein Hybrid, der sich zwischen Vergangenheit und Zukunft positioniert. Aus dieser Haltung entwickelte die Messe Berlin in wenigen Monaten ein Format, das Teil der Lösung sein will - und dabei selbst zu einer eigenständigen Lösung wird.

Auch für ARTELIER ATMOSPHER ist diese IFA eine Special Edition, denn dieses Jahr durfte das Studio mit einem co-kreativen Konzept im Bereich der Pressekonferenzen unterstützen. Allen Änderungen in Inhalt, Ablauf, Funktion und Bespielung zum Trotz ist das Bühnendesign erhalten geblieben: Atmosphärische, hochfunktionelle Bühnen, um einen geeigneten Rahmen für die zahlreichen namhaften, internationalen Aussteller aus der Consumer-Electronics-Branche zu bieten. Auch die Messe Berlin und Ihren Partner nutzen diese Plattform.

Ein paar Zahlen

Stages of Innovation?

Ich bin gespannt, wohin die Reise geht. Eins scheint sicher: Zurück ist wohl eher nicht die Idee.

Credits

Messe Berlin, Aventem Audiovisuelle Dienstleistungen GmbH

Bilder

Hilke Ludwigs

Quelle

Wikipedia Eintrag „Innovation“, abgerufen am 7.9.20

Pop up the Beyond Gallery

Mon, 30 May 2022 14:50:38 GMT

Der Pop Up Art Space " Beyond Gallery " der MeetFrida Art Foundation zum Gallery Weekend 2022 in Berlin

Während in Berlin das Gallery Weekend stattfindet, schwärmt die Stadt von Kunstinteressierten und -schaffenden. Der perfekte Ort für MeetFrida – im Zeitraum vom 27. April bis zum 1. Mai 2022 entsteht ein temporärer Pop Up Art Space im The Gate an der Torstraße, mitten im Zentrum Berlins. Für wenige Tage präsentieren wir erstmals die Werke unserer Berliner Künstler*innen in einer Gruppenausstellung.

Unter dem Motto BEYOND GALLERY vereint das Ausstellungsprojekt ultracontemporary Positionen künstlerischen Schaffens der unterschiedlichsten Stilrichtungen und gibt einen einzigartigen Einblick in das Zeitgeschehen der Kunstwelt. Von Malerei – gegenständlich und abstrakt – über skulpturale Arbeiten und Fotografie bis hin zu digitalen NFTs erstreckt sich das Portfolio der Artists.

Ungewöhnlich und unique ist auch die Ausstellungsgestaltung, die aus der Feder von ARTELIER ATMOSPHER stammt und die Besonderheiten des Ortes gekonnt inszeniert: Der ungenutze Co-Working Space soll ein Art Space auf Zeit werden. Er verfügt sogar über eine eigene Kantine - alles andere als der klassische White Cube und auch anders als eine der typischen Berliner Off Locations - dazu später mehr.

"The Gate" auf der Berliner Torstraße ist weniger ein einheitlich gestalteter Raum, sondern vielmehr eine Bündelung eigenwilliger, starker Gestaltungsformate. Er besitzt eine eigene Innenraumgestaltung, die sich bewußt gegen ihre bauliche Hülle stemmt, gegen die heute als historisch geltenden Plattenbau. An sich hat die "Platte" als Wohnbautypus eine Art Hochleistungsgrundriss, der genau an die Bedürfnisse des Wohnens angepaßt ist. Das betrifft den Raumzuschnitt an sich, aber auch die begrenzte Raumhöhe sowie einige andere Faktoren wie die Modularität an sich. Das alles klingt irgendwie modern, und doch ist es aus der Zeit gefallen.

Im Gate gibt es viele gestalterische Remineszenzen an die Vergangenheit: Die Wandflächen, die sich mit Blick auf den Grundriss als optimal für Hängung von Kunstwerken angeboten haben sind passé - denn hier sind bereits fest und auf Dauer ausladende Skulpturen der DDR-Zeit dekoriert. Die Idee, hier Kunst zu zeigen, hatten also andere auch schon.

Es gibt raumhohe und brüstungshohe Wandvertäfelungen aus Echtholz, als Lamelle, als Schachbrett; es gibt mattgrüne Türrahmen und schwarze Fensterrahmen und einen im Verband verlegten Holzboden.

Im nächsten Raumbereich ersetzen die bunt gefliesten Säulen die tragenden Wände der Platte und bilden mit den in die Decke eingestreuten, riesenhaften Beleuchtungskonfetti das Herzstück, die Kantine. Viel Platz, noch viel mehr Türen, ein ausladender Kantinentresen mit Seitenflügeln, auch eine Tablettwand für zukünftigen Geschirrücklauf.

BEYOND GALLERY und der Anspruch, zwölf Emerging Artistst zu präsentieren - eine kniffelige Frage, insbesondere angesichts der Zeit mit wenigen Wochen Vorlauf und eingeschränkten Lieferketten für fast alle denkbaren Materialien. Die Lösung ist ein filigraner Ground Support. Ein System, das Wände bildet, Räume erzeugt und damit die Kuration ebenfalls vor neue Aufgaben stellt: Welche Werke welcher KünstlerInnen können die Enfilade bilden, diese klassische Raumabfolge, wie man sie aus Schlössern kennt? Welche Werke sind vom Artist Talk aus sichtbar, der am Kantinentresen stattfinden wird, damit Querverweise im Gespräch nachvollziehbar sind? Wie kann der Flur ein interessantes und spannendes Entree bekommen, und warum sollte man ihn bis zum Ende beschreiten?

Hand in Hand mit der Kuratorin entstehen auf Skizzenpapier vielfältige und unterschiedlichste künstlerische Positionen und Aussagen, wird der Raum mit Wandelementen gestellt und schließlich eine filigrane und leichtfüßige Lösung gefunden: Foto - Stative werden gesucht, typisiert, geändert, neu kalkuliert und nun mitsamt der gewichtigen Sandsäcken just - in - time angeliefert. Die weißen Papier-Hintergründe werden noch durch etliche Berliner Hände gehen und MeetFrida nie erreichen- aber das ahnen wir nicht, als wir improvisieren und bei der Druckerei gegenüber Plakatpapier zuschneiden lassen um mit der Hängung zu beginnen.

Es entsteht eine spezielle Ausstellung, die den Anspruch der Meet Frida Art Foundation perfekt erfüllt: Kunst auf neue Wege sichtbar zu machen. Der enorm positive Zuspruch, die vielen guten Gespräche und Anknüpfungspunkte, die inspirierenden Kontakte - all das gibt so viel Positives, daß sich die Mühe - und auch der erste Schreck - gelohnt haben.

Kundin: MeetFrida Art Foundation

Kuration: MeetFrida Art Foundation, M.A. Constanze Wallenstein

Ausstellungskonzeption und Umsetzung: ARTELIER ATMOSPHER

Fotos und Beratung: Ken Schluchtmann, Die Photodesigner

Texte ( kursiv ): MeetFrida Art Foundation

Ausgestellte KünstlerInnen: Elisa Klinkenberg, Jonathan Esperester, Ju Schnee, Joana Lucas, Deniz Hasenöhrl, Farzin Foroutan, Gidi Gilam, Carla Bertone, Annique Delphine, Coco Bergholm, Theresa Maria Forthaus und Janine Kuehn.

Kwade ist abwesend.

Mon, 28 Mar 2022 21:23:54 GMT

"In Abwesenheit" ist das Selbst-Porträt von Alicja Kwade.

Ein Selbst-Porträt im weitesten Sinne.

In Abwesenheit ist ein Selbst-Porträt im weitesten Sinne. Oder: Ist es nicht viel mehr eine Selbst-Skulptur, oder ein Selbst-Darstellungsraum, eine Selbst-Architektur der Künstlerin Alicja Kwade, was die Berlinische Galerie zeigt?

" Portrait " bedeutet Bildnis und leitet sich von " vorziehen " ( protrahere ), dem " Konterfei " und " nachmachen " ( contrafacere ) ab- eine Darstellung einer oder mehrerer Personen in einem Einzelbild, so die Definition im Nachschlagewerk "Grundbegriffe der Kunstwelt".

"Das P. soll neben der physischen Ähnlichkeit auch die Persönlichkeit, die subjektive Empfindung oder die konkrete psychosoziale Situation des wiedergegebenen Menschen wiedergeben. Deshalb erfähr t das Gesicht im P. besondere Beachtung. (...) "

Was die Fragen aufwirft: Was sind die auffälligsten Merkmale? Und woran genau erkenne ich Alicja Kwade?

Der Schlüssel, um diese Frage zu beantworten, befindet sich im Ausstellungsraum: über zwei Etagen hoch öffnet sich der Raum in die Tiefe und versammelt verschiedene Elemente. Nicht zu übersehen der riesige Reif mit Lautsprechern. Kupferne Boxen, gefüllt mit Papier- Papiere dicht an dicht an den Wänden. Helix Spiralen unterschiedlicher Höhen. Farbig unterscheidbare Proben in Ampullen hinter Glas. Ein verspiegeltes Bullauge. Doch wie lässt sich das entschlüsseln?

"Das P. kann in jeder künstlerischen Technik und in jedem Material ausgeführt werden, sei es in einem skulpturalen (siehe: Bildhauerei, siehe: Denkmal, Büste, Relief) aber auch zweidimensionalen Werk (siehe: Malerei, siehe: Grafik, siehe: Zeichnung, siehe: Fotografie, siehe: Film)."

Ein Einstieg in das raumgreifende Selbst-Portrait kann die Helix sein. Was ist das? Woraus setzen sich die Formen zusammen? Gestapelte Smartphones bilden Tower unterschiedlicher Höhe, manche kleiner, manche deutlich größer als eine Person.

Ein andere Einstieg ins Werk ist der überdimensionale, mit Lautsprechern besetzte Reifen , der eine Art Percussion verlauten läßt, ein weiches Pochen, schneller oder langsamer werdend, Schlag um Schlag.

All diese Zettel : fein sauber einsortiert und passgenau liegen sie in den Container aus Kupfer. Angepinnt bilden sie einen Wandbelag, der sich durch die bis zum Rand bedruckte, unermessliche Buchstabenreihen aus A’s, E’s, A’s und E’s - ins Endlose fortzusetzen scheint. Eine eindeutige Leserichtung gibt es nicht, es könnte horizontal oder auch vertikal bis zur baulichen Unterbrechung gelesen werden, gleichgültig ob das die Decke, der Fußboden oder eine Wandöffnung ist.

Auch gibt es dekorative Bilder, wie es scheint, hinter Glas gerahmte, sich wiederholende Objekte, die zu geometrischen Formen angeordent sind: Kreis, Linie, eine Anordnung und ein Rhythmus von Farbproben, Materialproben, Bedeutungselementen … und ein Bullauge, das tickt wie ein Uhrwerk.

"Im P. wird das Gesicht entweder frontal (en face) oder im Viertel-, Halb- oder Dreiviertelprofil oder Profil gezeigt, je nach Drehung des Kopfes weg vom Betrachter; vom "verloreren Profil" spricht man, wenn sich das Gesicht größtenteils in den Bildraum abwendet."

So läßt sich ein Mensch im physischen Raum beschreiben.

Mit dem genauen genetischen Code, den Materialproben, dem Herzschlag, der im gesamten Raum wahrnehmbar wird, ist es das Selbstportrait der Künstle rin Alicja Kwade. “ Die Künstlerin geht der Frage nach, wie sich der Mensch und seine physische Präsenz im Raum beschreiben lassen: über den eigenen Herzschlag, den individuelle DNA-Code oder den chemischen Elemente, aus denen sich der Mensch zusammensetzt.” *

Philosophische, naturwissenschaftliche und gesellschaftliche Fragestellungen inspirieren Alicja Kwade auch dazu, subjektive gegen objektive Wahrnehmung zu positionieren.

Schon sind wir wieder bei der Frage nach den auffälligsten Merkmalen einer Person.
"Im Unterschied zum P. kann das Bildnis auch einen unbestimmten oder fiktiven Menschen zeigen. Mit dieser nicht immer klar getroffenen Unterscheidung wird ein zentrales Problemfeld der Diskussion über P. -Begriff eröffnet: Seit wann kann in der (siehe:) Geschichte der (siehe:) Kunst von der Schilderung einer konkrteten Person, also der Darstellungvon Ähnlichkeit bei der Wiedergabe eines Individuums gesprochen werden?"

Geschärft lautet die Frage: Was sind die auffälligsten Merkmale an dir, die ich sehe- und was sind die auffälligsten Merkmale, die du selbst an dir ausmachst? Was erwarten Dritte von dir?

Mit den Worten der Kunstgeschichte: " Ein anderer Schwerpunkt der kunsthistorischen Debatte zum Verständnis des P. liegt in der Analyse seiner Funktion der individuellen Entstehungsbedingungen : Von welcher Vorstellung des Auftraggebers , von welchen Intentionen des (siehe:) Künstlers oder Erwartungen des Betrachters war auszugehen, welche Intentionen trug das Werk in sich und welchen Inhalt sollte es transportieren?"

Das ist ein gesellschaftlicher Diskurs, der an vielen Stellen neu verhandelt werden kann, darf und muss.

Credits

Artist: Alicja Kwade, “In Abwesenheit”

Ausstellung: Berlinische Galerie

Zitate: "Grundbegriffe der Kunstwissenschaft", Hrsg. Stefan Jordan und Jürgen Müller, Reclam Verlag 2018

bis auf das * markierte Zitat, welches von der Berlinischen Galerie stammt.

Fotos: Hilke Ludwigs

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Findest Du im Insta Feed von ARTELIER ATMOSPHE R und unter den Hashtags #alicjakwade # alicjakwadebg

Creative Consulting

Mon, 06 Dec 2021 00:34:09 GMT

Heute Deine Arbeitswelt von morgen gestalten. Das geht nicht ohne Kreative.

WILD

Laborunfall führt zu Jahrhundertentdeckung!

So sieht die Arbeit von morgen aus ...

Eine interdisziplinäre, gutaussehende Gruppe aus vierzehn muskulösen ForscherInnen fand heraus (weil sie zusammen arbeiten mussten), dass es in Zukunft nur eine Form der Organisation geben wird: Es ist ein Team!

Niemand und nichts löst Probleme schneller, effizienter und kundenorientierter als projektbezogene, interdisziplinäre Teamarbeit.

Der nächste Nobelpreisträger ist damit sicher. Und jetzt? Trommelwirbel!

Die Gewinn in der Kategorie Team geht an:

Tina, Lukas, Jutta, Nico, Uwe, Mattis, Michael, Jana, Andreas, Eva und Hilke

Der Nobelpreis in der Kategorie Kunde geht an:

Akut neugierige, glücklich Interessierte, welche sich jetzt erfolgreich für "Quick Creative Consulting" im ARTELIER ATMOSPHER anmelden * und einen der letzten freien Plätze erwischen.

Leider gibt es auch einen Verlierer bekannt zu geben: Den Einzelkampf.

Special Thanks an das Team Tina, Jutta, Uwe, Michael, Jana, Andreas, Eva und Hilke. Insbesondere an Lukas, Nico und Mattis für den obigen "Zeitungsartikel" der WILD, den ich leicht angepasst habe.

Dr. Max Neufeindt für den Impuls zum gesellschaftlichen Kontext.

Amrei Andrasch von Knoweaux für den Impuls zu Innovationskultur.

Helen van Baal von den Kaospiloten+ für den Impuls zum Thema Prototyping.

Niklas Keller von Simply Rational für den Impuls zum Thema Change.

Gerrit (Euler Hermes)

Lea, Theo und Patrick (Hamburg Kreativ Gesellschaft)

Fotos

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Sudheimer

ARTELIER ATMOSPHER

* Ok, was ist jetzt mit diesem Creative Consulting?

Wie das geht? Sei mutig und schick einfach eine formlose mail an hello@artelieratmospher.co m Wir vereinbaren einen 30-Minuten- Termin und schon geht es los mit Dir und der Zukunft Deiner (!) Arbeit! Ich freue mich auf Deine Challenge!

ps. Die Veranstaltung fand im Format 2G+ statt.

Where is The Nose?

Sun, 21 Nov 2021 21:09:22 GMT

I am Myself. The Nose 2021

"Ich bin ich selbst!" , ruft die Nase aus, als sie gefragt wird, wohin sie gehört. Absurd genug, dass The Nose nun erst einmal ihre Freiheit genießt und eine wilde Zeit in Johannesburg verbringt, während Major Kov nichts unversucht lässt, sie wiederzufinden.

Diese Inszenierung von Gogols Stück von 1836 ist im Heute angekommen.

Nicht nur das hybride Format mit Livemusik vs. projiziertem Schauspiel, auch die musikalische Umsetzung experimentiert mit der Originalpartitur mit Rap, Oper und Tanz. Das Stück „verarbeitet … Themen wie Gier, Hierarchie und Emanzipation vor einem implodierenden Hintergrund wachsender sozialer Spannungen, politischer Katastrophen und Fake News. Das spektakuläre Bühnenbild führt zusammen mit einem transnationalen Ensemble aus bewegten Sänger*innen und singenden Tänzer*innen zu einer Expedition in eine absurde, von Aberglauben und Offenbarung getriebene Realität.“

Was den Zuschauer in die Gegenwart zurückholt? Zum Beispiel der ironische Einspieler über Gründe, eine Premiere zu verschieben. Oder das Begreifen, dass es dem Team um Jessica Nupen scheinbar schwerelos gelungen ist, das Bühnenstück in eine filmische Installation auf eine dekonstruktivistische, reflektierende Fassadenteile zu übersetzen - und dabei das Augenzwinkern beibehält: Am Ende gibt es Applaus für die ansonsten bisher im Unsichtbaren gebliebenen Kulissenschieber, was das Publikum auch erstmal verstehen muss.

Credits

Uraufführung: Kampnagel Hamburg

Inszenierung: Jessica Nupen

Fotos: Hilke Ludwigs

Mehr?

Teaser, Footage und Künstlerinterview findest Du im digitalen Kampnagel Programm oder im Insta Feed von ARTELIER ATMOSPHER oder unter den Hashtags #dancerapopra #againstallodds

Finissage im Cross Innovation Lab

Wed, 30 Sep 2020 12:47:55 GMT

Finissage im Cross Innovation Lab

Das Cross Innovation Lab feiert heute seine digitale Finissage und zeigt die Ergebnisse der Innovationsvorhaben.

Was steckt dahinter?

Innovationszyklen verkürzen sich, Märkte werden komplexer – die Rahmenbedingungen der Wirtschaft befinden sich im Wandel. Neue Lösungen sind gefragt, damit Unternehmen im globalen Wettbewerb konkurrenzfähig bleiben. Was liegt da näher, als die initiale Phase des Innovationsprozesses für Kreativschaffende zu öffnen, die sich tagtäglich mit der Entwicklung von Ideen befassen?

Von Beginn an mitgestalten

Mit dem Cross Innovation Lab schaffen wir einen Experimentierraum. Hier arbeiten Kreativschaffende aus unterschiedlichsten Fachbereichen mit Unternehmen der Nicht-Kreativwirtschaft, um neue Lösungen von Beginn an gemeinsam zu entwickeln.

Der Ansatz

Wir fördern das Prinzip der Augenhöhe: Zu Beginn begegnen sich Kreative und potenzielle Kunden, bevor ein konkreter Auftrag formuliert wurde. Anschließend entsteht im Designxport in der Hafencity für eine Dauer von ca. sechs Wochen eine temporäre Kollaborations- und Ausstellungsfläche. Hier gehen interdisziplinäre Teams die Innovationsvorhaben oder -bedarfe der teilnehmenden Unternehmenspartner an.

Format & Methode

Das Cross Innovation Lab folgt einem (insbesondere in der Frühphase) von der Kreativwirtschaft geprägten Open Innovation-Prozess. In aufeinander aufbauenden Modulen entwickeln Unternehmen gemeinsam mit ausgewählten Expertinnen und Experten aus unserem Pool der Kreativen innovative Lösungsideen und konkrete Lösungen. Zusätzlich besteht die Möglichkeit, potenzielle oder bestehende Kunden wie auch andere am Lab teilnehmende Unternehmen in den Innovationsprozess einzubeziehen. Über die konkrete Arbeitsphase hinaus kann so ein wertvolles Netzwerk entstehen.

Was sind die Ergebnisse?

Kompetenz für den Kulturwandel
Teambuilding
Prozessinnovation
Serviceinnovation
Digitale Transformation
Geschäftsmodell
Produktinnovation

Diese Veranstaltung findet heute, Mittwoch, 30.09.2020 um 18:00 Uhr als Zoom Meeting statt.

Credits

Hamburg Kreativgesellschaft für den Text* und insbesondere an Jenny Kornmacher, Raffaela Seitz, Lea Jordan, Theo Haunstein und Fiona Dahnke und Michael Schieben für die Facilitation und an alle anderen Kreativschaffenden im Lab.

Zeichnung von Magdalena Vollmer**

Quellen:

* https://kreativgesellschaft.org (Abruf am 30.9.20)

**raumstrategin.com

Du interessierst Dich,

wie wir Dein Innovations Vorhaben

auf die Straße bringen können?

Dann lass´ uns sprechen. Schick mir einfach eine Nachricht über das Formular oder per Mail:

Credits an die Teilnehmenden auf Kreativseite ...

Paul, Claudia, Anke, Florian, Bettina, Björn, Arne, Isabel, Eric, Maria Sofia, Marius. Hilke war auch mit dabei.

... und auf Unternehmensseite:

Tesa, Telefónica Germany, Tui Cruises, Basler Versicherungen, Vibracoustic, Avodaq / Cisco Systems

... für Konzeption, Durchführung und Orga:

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

Fotos:

Hilke Ludwigs

Ein Irokesenschnitt für die biedere Hainbuchenhecke

Mon, 24 Aug 2020 16:38:31 GMT

Ein Irokesenschnitt für die biedere Hainbuchenhecke

In der Innenstadt selbst wirkt die Fassade des Kö-Bogens 2 einfach nur wie eine Medienfassade mit endlos wirkender Bespielung auf einhundertzwölf Metern - bis sich der Blick hebt und entlang der Attikakante gegen den blauen Himmel kubistisch anmutende, grüne Irokesenschnitte wachsen.

Erst bei weiterer Umrundung wird das städtebauliche Ensemble aus den Ikonen der Nachkriegszeit deutlich: Das elegante, streng gerasterte Dreischeibenhochhaus glänzt metallisch in der Sonne und die geometrischen, weich geschwungenen Formen des Düsseldorfer Schauspielhauses sind passend zum Fünfzigsten herausgeputzt worden.

Davor öffnet sich der Platz, und es wird sichtbar, warum das Gebäude mit der Mainstreet-Glasfassade nun eigentlich Ingenhoven-Tal genannt wird: Europas größte Grünfassade besteht aus 30.000 Hainbuchen-Hecken, jede auf exakte 130 Zentimeter Höhe getrimmt. Insgesamt 8 Kilometer Grün, das sich von der Attikakante der Glasfassade über das geneigte Dach über die Schrägfassade bis zur Straßenkante zieht - um auf der gegenüberliegenden Seite eine begrünte Grundfläche aus dem Boden zu heben: Zwischen beiden Volumen wird der Platz dazwischen zu einer Talsohle geformt.

Neben einer eigenwilligen, auf mich persönlich etwas "barockgartenartig" wirkenden Gestaltung, die mich an abgezirkelte Parkanlagen und Buchsbaum-Hecken in Labyrinthform erinnert, hat die begrünte Fassade durchaus positiven Impact auf ihr Umfeld, auf die Stadt und ihre Bewohner: Die Begrünung schützt vor Hitze und Kälte, absorbiert Schall, verbessert die Luftqualität, indem Feinstaub gefiltert und Sauerstoff produziert wird. Auch in einer Monokultur finden kleine Tierchen ein neues Zuhause - insgesamt also ein sinniger Beitrag zur Ökologie ? Die Architektur des Kollegen Ingenhoven wirft viele Fragen auf, und im Diskurs mit zwei befreundeten Architekturkollegen aus dem Rheinland wird mir einmal mehr klar: Architektur und Städtebau sind komplex, Vor- und Nachteile gibt es viele, und sie sind gegeneinander zu bewerten. Ein längerer Diskurs, wenn man ihn führen möchte. Doch das beste daran: D ie Geschmacksfrage, ob Architektur einen Iro tragen sollte oder nicht, hat sich damit noch nicht einmal gestellt.

Weiterführend

Im Deutschen Architektenblatt erschien hierzu Juli 2020 der Fachbeitrag "Begrünte Fassaden" zu finden auf DAB-online.de Übrigens auch sehr bereichernd für Nicht-Architekten :-)

Der Düsseldorfer Kö-Bogen 2 ist digital hier zu besichtigen: https://www.koebogen-2.de

Credits

Ingenhoven Architects

Fotos:

Hilke Ludwigs

Digitaler Auftakt zum Cross Innovation Lab

Mon, 17 Aug 2020 15:14:18 GMT

Endlich: Digitaler Auftakt zum Cross Innovation Lab

Das Cross Innovation Lab feiert heute endlich seinen digitalen Auftakt , nachdem wir uns coronabedingt so lange gedulden mussten.

Was steht auf der Agenda?

1. Einblicke in die Innovationsvorhaben bei tesa , Vibracoustic , TUI Cruises , Telefónica und Basler Versicherungen .

2. Die Kreativen Partner kennenzulernen und zu erfahren, wie sie an Cross Innovationen herangehen.

Ich freue mich sehr, heute über meine Erfahrungen aus dem Lab berichten zu dürfen.

3. Impulsvortrag von der Architektin Julia Erdmann zur Bedeutung von Kreativität, Empathie und Open Innovation.

4. Impulsvortrag von Raphael Gielgen, Innovationsexperte und Trendscout bei Vitra, über die Zukunft der Arbeit mit Blick auf die aktuellen Veränderungen.

Die Veranstaltung findet heute, Montag 17.8.20 um 18:30 Uhr als Zoom Meeting statt.

Ich freue mich darauf, wenn wir uns heute Abend sehen!

Nachlese der Hamburg Kreativ Gesellschaft: hier

Credits an

Hamburg Kreativgesellschaft mit Jenny Kornmacher, Raffaela Seitz, Lea Jordan, Theo Haunstein und Fiona Dahnke und Michael Schieben für die Facilitation und an alle anderen Kreativschaffenden im Lab.

Du interessierst Dich,

wie wir Dein Innovations Vorhaben

auf die Straße bringen können?

Dann lass´ uns sprechen. Schick mir einfach eine Nachricht über das Formular oder per Mail:

Credits an die Teilnehmenden auf Kreativseite ...

Paul, Claudia, Anke, Florian, Bettina, Björn, Arne, Isabel, Eric, Maria Sofia, Marius. Hilke war auch mit dabei.

... und auf Unternehmensseite:

Tesa, Telefónica Germany, Tui Cruises, Basler Versicherungen, Vibracoustic, Avodaq / Cisco Systems

... für Konzeption, Durchführung und Orga:

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

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Hilke Ludwigs

Sommer am Pool

Mon, 03 Aug 2020 15:21:32 GMT

Oberfläche ist eine Illusion. Und Tiefe auch.

Dieser Mann ist immer wieder für eine Überraschung gut. Nicht nur seit 2018, als er mit dem Rekordverkauf die Schallmauer durchbrach und sein Gemälde " Portrait of an Artist (Pool with two figures) “ für rund 90 Millionen Dollar versteigert wurde. Damit wurde der Rekordpreis für das Werk eines lebenden Künstlers deutlich übertroffen und Jeff Koons mitsamt seiner Skulptur "Baloon Dogs" vom Treppchen gestoßen. Zu Recht, finde ich, denn David Hockney hat nicht nur Humor , sondern kann auch ziemlich gut zeichnen und malen - wenn man von Füssen einmal absieht. Aber selbst schwarze Pflanzenteile oder in einen Teppich verbuddelte Füße finde ich verzeihlich, wenn ich an die Pools denke.

"Oberfläche ist eine Illusion. Und Tiefe auch." Eigentlich ganz interessant, wenn man an einem Nachmittag im August müssig über ein ausgefliestes Becken und literweise Wasser nachdenkt. Das Monopol Magazin findet diesen Ausdruck übrigen so wichtig, dass die beiden Sätze in die "Top Ten" der Hockney - Zitate eingegangen sind.

Am Pool kann man auch gut über Sachen nachdenken, die weniger essentiell und philosophisch sind. Beispielsweise: Haben Blonde eigentlich mehr Spaß am Leben? Und - wenn ja - was ist die Konsequenz? David Hockney beantwortete die Frage in den 1960ern schon mit Ja, kauft sich Bleichmittel und gehört zu den Menschen, die Spaß haben - so nehme ich an. Was für den einen Brillo und Perücke, ist für den anderen die Teeverpackung und Wasserstoffperoxid.

Und mit diesen Worten hänge ich mich auch an den gedanklichen Pool. Ich hatte Dir ja schließlich versprochen, dass die Sommer Posts kurz und kurzweilig werden ...

Wer trotzdem weiterlesen möchte, Credits an

thedavidhockneyfoundation.org

monopol-magazin.de

... oder bis zum 13.9.2020 noch ins Bucerius Kunstforum. Da kannst Du Dir die Originale aus der Tate in London ansehen.

Fotos

Hilke Ludwigs

Erfahrungen aus dem Pop up Office

Mon, 27 Jul 2020 11:02:17 GMT

Nichts ist so beständig wie der Wandel. Wußte schon Heraklit.

Kennst Du das Gefühl, wenn Du ein paar Tage auf dem Wasser verbracht hast, und die Bewegung des Wassers weiterhin spürst, obwohl Du schon längst wieder festen Boden unter den Füßen hast? So ähnlich lässt sich das Pop up Office zusammenfassen, an dem ich Anfang des Jahres als Kreativpartnerin auf einem Elb-Ponton mitgearbeitet habe - weit entfernt von Schreibtisch und Präsentations-Terminen.

Worum geht es

Das Pop up Office ist ein Experimentierraum, ein agiles Innovations-Labor, das für 3 Tage und 2 Abende - und darüber hinaus - eine Struktur erzeugt, um Open Innovation, Co-Creation und cross-sektorale Kollaborationen ins Leben zu rufen. Fast eine Woche arbeiten wir in wilder Mischung - kaum zu glauben, aber wahr: Mitarbeitende aus Hamburger Behörden und Kreativschaffende sind gemeinsam im Flow und führen "Culture Sprints" durch.

Den Handlungsrahmen setzen vier Impulsvorträge, die täglich ein komplexes Feld aufziehen, damit wir uns den drängenden Fragen unternehmerischen Handelns auf interdisziplinärer Ebene nähern. Es geht um neue Erkenntnisse zu Kulturwandel , agile Managementansätze , Digitalisierung - und nicht zuletzt auch um zeitgemäße Büro- und Arbeitsplatzgestaltung . Es geht um den Kulturwandel bei OTTO, über kreativ-integrative Designprozesse , Innovationsthemen und Methodik und - sehr wissenschaftlich um Defensives Entscheiden. (Interessiert Dich näher, was sich genau dahinter verbirgt? Ich überlege, einen weiteren Post zu schreiben, also gib mir gern mal ein Signal ;-) Eins wird aus allen Vorträgen klar: Ohne Fehler kein Erfolg .

Die Zeit im Pop up Office ist superintensiv und dicht gepackt mit Eindrücken, Ideen, Austausch und dem gemeinsamen Wunsch, die Zukunft zu gestalten. Das alles lässt sich nicht in einem Satz zusammenfassen, aber erleben: Zum einen bei der Finissage, zum anderen bei den Veränderungen, die jeder Teilnehmende aus dem Prozess mitnimmt: Verstehen - Entscheiden - Machen - Testen . Veränderung ist ein Prozess, der Zeit braucht - das wird uns allen schnell klar.

Inzwischen liegt das Pop up Office ein halbes Jahr zurück. Was hat sich geändert?

Geblieben ist eine neue Sichtweise, neue Bilder und neue Vorstellungen davon, wie Arbeit für mich und für das agile Netzwerk von ARTELIER ATMOSPHER sein soll: Offen und lebendig.

Auch mein Leistungsangebot ist gewachsen: Neben markenarchitektonischen Themen arbeite ich an New Work - Projekten, die räumliche und organisatorische Veränderungen mit sich bringen. Cultural Change, den man sieht.

In meinem Tun prägt mich der Satz: "Der Kunde hat immer Recht." , mit dem Lisa im Pop up Office auf kritische Fragen unsererseits antwortet. Damit räumt sie Kritik einen eigenen, feststehenden Bereich im eigenen Schaffen ein, der das eigene Tun in Frage stellt und relativiert. Dabei ist es gar nicht so leicht, durch diese Brille zu schauen, wenn man es selber versucht. Schließlich ist der Anspruch an die eigene Arbeit nach meinem Verständnis durchaus professionell. Es geht weniger um das eigene Gefallen der eigenen Kreation, sondern darum, das Geeignete und Funktionierende in einer Gestaltung zusammenzuführen, um genau DAS räumliche Erleben des Raumes zu ermöglichen, was erzielt werden soll: Form follows Function .

Credits an das Team

Britta, Gönke, Hanna und Hanna, Johannes, Jürgen, Lisa, Martina, Melanie, Meng-Chan, Nele, Sabine, Saskia, Tanja, Tobias, Vladana, Wiebke … und an Wolfgang (Facilitation) … und natürlich an Jenny, Raffaela, Lea und Luisa, Theo und Fiona und alle anderen bei der Hamburg Kreativ Gesellschaft (Konzeption und Umsetzung)

Fotos

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Martas Marketing

Mon, 20 Jul 2020 19:09:10 GMT

Das Museum Marta Herford ... und was das mit Marketing zu tun hat

2005 eröffnet hieß das Museum noch MARTa, die Buchstaben stellvertretend für m = Museum, art = Kunst, a= Ambiente bzw. Architektur*.

Natürlich stellen sich dem Lesenden sofort einige Fragen:

Wieso sind Ambiente und Architektur gleichbedeutend? Sind die beiden Begriffe gar austauschbar? Warum ist die Architektur nicht Teil der Kunstgeschichte, wenn die Übersetzung des Begriffs doch schlicht und ergreifend „Baukunst“ bedeutet? Architektinnen und Baumeister beziehen sich natürlich sehr gern auf Vitruv, der von der „Mutter aller Künste“ sprach und die Architektur deutlich gegenüber der Bildhauerei und der Malerei abgegrenzt hat … aber die Architekturtheorie hat auch Sommerferien und hier in Herford am Museum warten noch weitere offene Fragen, die vielleicht auch an das Museum selbst gerichtet wurden. Oder die sich das Museum selber gestellt hat?

Fragen über Fragen. Fest steht:

Nach dem 10-jährigen Jubiläum gab es ein Re-Branding . Das Museum für zeitgenössische Kunst heißt inzwischen einfach Marta Herford. Was ein Re-Branding ist? Es geht dabei nicht nur um den Namen und das Logo, auch wenn das am Ende des Prozesses sichtbare Ergebnisse sein können. Markenstrategisch geht es um die Neuausrichtung , sei es einer Marke, eines Unternehmens, eines Produkts, einer Dienstleistung – oder eben eines Museums, denn auch die Kultureinrichtungen sind Teil der Wirtschaft. Beim Re-Branding geht darum, für Museumsbesucher, Investoren, im Wettbewerb und für Kunden eine neue, differenzierte Identität zu gestalten, die den „inneren Werten“ besser entspricht als zuvor. Das Markenimage , das am Markt aufgebaut wird, entspricht dann auch dem Markenbild , das sich im Unternehmen selber entfaltet und für die Mitarbeitenden sichtbar und nachvollziehbar ist. Ein bisschen ist es wie mit den Werten und Vorstellungen vergleichbar, die das Individuum prägen, sichtbar und authentisch machen … wobei das natürlich sehr stark verkürzt ist. Denn der Sommertext soll ja leicht und kurz sein.

Dennoch ist eine Facette hochaktuell:

In der aktuellen Krise ist Re-Branding angesagt, viele Unternehmen und Marken wenden den Blick nach innen, um sich mit Markenwerten und Vorstellungen zu beschäftigen und sich mit Zielgruppen, Stakeholdern und Wettbewerbern auseinanderzusetzen. Veränderung bringt auch den Wandel der Marken und Unternehmen mit sich, die für ein erfolgreiches Re-Branding gut mit externen Experten aus Markenstrategie zusammenarbeiten. Extern deshalb, weil der Blick von außen unverstellt ist und die Unabhängigkeit es leichter macht, ungeliebte Themen an- und alte Zöpfe abzuschneiden. Dennoch ist es auch für Unternehmen riskant, sich zu verändern. Nicht jedem gefällt der neue Haarschnitt – es sei denn, man darf von außen teilhaben und wird behutsam in die Veränderungen einbezogen. Sicherlich ein Prozess, der Fingerspitzengefühl verlangt und eng auf die Bedürfnisse der Marke und Menschen abgestimmt werden muss, um das Potential zu entfalten und positive Veränderungen anzustoßen. Ob nun für Online Marketing, Retail, einen Event-Ausstatter oder ein Museum … es geht immer auch um Dienstleistungen und Produkte, die vom Sinn und Verständnis erzählen und damit ihre Zuhörer fesseln …

… womit wir wieder beim Marta Herford wären. Ohne über architektonischen Dekonstruktivismus , Frank Gehry aka „Picasso der Architektur“ oder den Bilbao-Effekt gesprochen zu haben. Aber vielleicht interessiert Dich brennen, wieso ein Betongebäude ohne rechten Winkel unbedingt eine Klinkerfassade haben muss? Diese und andere Fragen beantworte ich ein andermal, denn nun kommt die versprochene Diashow. Ein Bild sagt mehr als 1.000 Worte.

Credits
- Das Marta Herford digital besuchen: marta-herford.de

- Wikipedia (* Eintrag über Marta Herford, abgerufen am 20.7.20)

Pics
Hilke Ludwigs

Neues aus dem Cross Innovation Lab (2)

Sun, 05 Jul 2020 19:15:37 GMT

Neues aus dem Cross Innovation Lab
Teil 2

Für diese Woche steht nun endlich wieder ein Workshop im Cross Innovation Lab an. Mit von der Partie sind neben dem Projektinhaber auf Kundenseite auch die Kollegen aus allen involvierten Abteilungen, sowie zwei externe Kreativpartner – eine davon bin ich. Nach den Live Sessions vor Corona und den Remote Sessions während des Lock Downs planen wir die Veranstaltung nun als Hybrid : Die Teilnehmenden werden teils live vor Ort, teils remote arbeiten. Neben rein organisatorischen Fragen gilt es auch, die Bedürfnisse im Team zu klären und dabei das Ergebnis nicht aus den Augen zu verlieren. Die Fragestellung, die wir vor Monaten formuliert haben, hat an Inhalt und Dringlichkeit nichts verloren. Die Facilitation dieser Aufgabe liegt im Team, ein weiterer spannender Aspekt des Labs.

Orga-Fragen tauchen als erstes auf: Bringt jeder seinen Laptop mit? Gibt es ein zentrales Mikro? Ja, gute Idee! Aber können wir es hygienisch schützen? Nein – Mikro findet also nicht statt. Gibt es einen Projektor, um die Remote Kollegen in den Raum zu holen und sie zu sehen? Können wir uns so auch als Gruppe unterhalten? In welchem Tool arbeiten wir und – auch eine sehr spannende Frage: Wie gelingt es uns genau, die Methodik aus einem Live Workshop in den digitalen zu transformieren? Das digitale Whiteboard funktioniert für alle Teilnehmenden gut, so dass wir es als feste Größe beibehalten.

Dennoch bleiben Unterschiede bei Live Work und Remote Work erhalten, auch bei der Methodik. In unserem Fall sprechen wir über das „ Design Studio “. Ein schöner Name, und man könnte sich darunter auch ein Gründungsvorhaben in einer urbanen Metropole vorstellen … tatsächlich ist „Design Studio“ ein agiles Format, das ursprünglich aus dem Industriedesign stammt und für Web- und Softwareentwicklungen angewendet wird.

Kurz zur Methode „Design Studio“ (wer sie kennt, kann diesen Abschnitt getrost überspringen):

In einer Kleingruppe von vier bis sechs Personen wird in mehreren Iterationen gezeichnet, präsentiert und kritisiert, um vielseitige Ideen und Lösungsansätze zu generieren und sich darüber auszutauschen. Die Kritik funktioniert als Motor. Es geht weniger darum, das Haar in der Suppe zu finden oder eine bessere Idee zu haben. Es geht darum, zu hinterfragen, Aspekte zu beleuchten, weitere Ideen anzureichern. Es läuft eher wie im Studium bei der „Entwurfskritik“ ab, wie sie während meiner Studienzeit am Bauhaus praktiziert wurde.

Das „Design Studio“ ist als Design Challenge angelegt, so dass auch hier nichts ohne Freund Zeitdruck geht. Neben der Hürde „Horror Vacui“, der Angst vor dem leeren, weißen Papier (und der Herausforderung, zeichnen zu sollen, obwohl man das eigentlich „nicht könne“), gibt es nun eine zweite Hürde, die Corona mitgebracht hat. Klassischerweise startet die Session mit Zettel und Stift in einer kleinen, konspirativ wirkenden Gruppe von vier bis sechs Personen. Jeder Zettel wird einige Male gefaltet, so dass bei der Unterteilung in acht gleiche Felder eine gute Größe für Scribbles entsteht. Jeder Teilnehmer zeichnet 5‘ für sich, präsentiert dem Team in 3‘ und dann gibt das Team Feedback, das wiederum ins jeweilige Feld des Zettels eingezeichnet wird. Dieser kleine Zyklus „skizzieren – präsentieren – verdichten“ hat drei Iterationen: Auf „explorieren und generieren“ folgt „remixen und verfeinern“. In der dritten Iteration „co-designen und verdichten“ schließt die Folge ab und alle Teams bringen die Ideen an die Wand, die dann vielleicht noch gerankt und präsentiert werden. Man sieht also quasi zusammengesteckte Köpfe, reihum ausgetauschte Zettel und aufsteigende Rauchwölkchen an Gedanken.

Wie läuft dieses Format digital ab? Natürlich kann man im digitalen Whiteboard zeichnen- doch wie erkennbar sind Ideen, die am Touchpad eines Laptops gezeichnet werden müssen? Nicht-Designer haben kein Zeichentablet neben sich liegen, und wahrscheinlich auch keinen Digi Pen fürs Tablet – also werden wir mit Papier arbeiten. Das Ergebnis wird fotografiert und ins Whiteboard hochgeladen. Das nimmt zwar den Zeitdruck und unterbricht den Flow der Ideen, ist aber wahrscheinlich die sicherste Methode, um an die vielfältigen Ideen zu kommen. Auch die Iterationen sind entschleunigt. Eine Alternative wäre Graphic Recording, bei der gebrainstormt wird, aber die Teilnehmenden nicht selber scribbeln, sondern zeichnen lassen. Falls die Datenleitung abbricht ist jedoch Schluss, und auch sonst scheint es schwer vorstellbar, dass wir so die Deep Dives hinbekommen, die wir brauchen.

All das sind Überlegungen, die zur Vorbereitung des Workshops dienen und die kleinere und größere Entscheidungen nach sich ziehen. Tbd- to be designed, oder: to be discussed, natürlich offen und ergebnisorientiert unter Zeitdruck- denn sonst wäre es ja auch kein Lab.

Im nächsten Blogpost wird es um die Insights und Learnings des Hybrid Workshops gehen. Stay tuned!

Du hast keine Lust, bis nächste Woche zu warten?

Im Juli bietet ARTELIER ATMOSPHER ein individuelles Consulting an, in dem Deine Fragen in den Mittelpunkt gestellt werden.

Ich bin gespannt auf Deine Herausforderung und auf die Ideen, die wir gemeinsam entwickeln!

Du möchtest eine halbe Stunde Consulting for free? Einfach das Formular ausfüllen, die P lätze sind begrenzt.

Credits an die Teilnehmenden auf Kreativseite ...

Paul, Claudia, Anke, Florian, Bettina, Björn, Arne, Isabel, Eric, Maria Sofia, Marius. Hilke war auch mit dabei.

... und auf Unternehmensseite:

Tesa, Telefónica Germany, Tui Cruises, Basler Versicherungen, Vibracoustic, Avodaq / Cisco Systems

... für Konzeption, Durchführung und Orga:

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

Fotos:

Hilke Ludwigs

Neues aus dem Cross Innovation Lab (1)

Mon, 29 Jun 2020 15:18:05 GMT

Neues aus dem Cross Innovation Lab
Teil 1

"Das Cross Innovation Lab ist mit einer Spielzeit von 6 Wochen als Kollaborations-Fläche zur innovativen Produktentwicklung ausgelegt. Mitarbeiter verschiedener Industrie-Unternehmen werden durch einen mehrstufigen Innovations-Prozess begleitet, Expert*innen der Kreativwirtschaft und anderer teilnehmenden Unternehmen arbeiten an diesem Prozess mit. Das Ergebnis sind Anwendungsszenarien für Produktlösungen, (neue) Produktkonzepte oder erste Prototypen." So formuliert es die Hamburg Kreativgesellschaft Januar 2020, und nun, Ende Juli, sollten die Produkte der Industriepartner schon längst fertig sein.

Doch in diesem Projekt ist alles anders, und die Pandemie hat große Veränderungen bewirkt. Sichtbar ist die Veränderung des Projektablaufs, der sich „wie Kaugummi zieht“, so neulich eine Teilnehmende. Das trifft es ziemlich gut, denn das Lab ist ein hochverdichtetes Format, das Zeitdruck bewusst für die Ideenentwicklung nutzt. Eine spürbare Auswirkung des Arbeiten unter Zeitdrucks ist es, die eigenen Ansprüche an Leistung, Inhalte, Rolle und damit auch an die Ideenentwicklung gegen das Faktum zu setzen, nie fertig zu werden, nie genug Zeit zu haben. Wer kennt das nicht aus dem eigentlichen Job? Doch das Pendeln zwischen dem eigenen Leistungsstreben und einer immer verknappten Zeit auszuhalten, um eine Fülle guter Ansätze zu produzieren und gemeinsam eine ganz anders geartetet Teamleistung abzuliefern ist eine andere Situation als der graue Büro- oder Workshop-Alltag. Und es fühlt sich auch ganz anders an, nämlich energetisch und gut.

Was passiert in einem experimentellen Umfeld, wenn sich die Versuchsanordnung ändert? Folgt man den Phasen der Pandemie befindet sich mit dem Lock Down auch das Lab in eine Phase der Verunsicherung. Unter den kreativschaffenden Experten ist die massive Auswirkung offenkundig, die Stornierung von Aufträgen und der unschöne Blick hinter die Kulissen, wie - sagen wir einmal absurd - sich Auftraggebende bei Rechnungslegung verhalten können. Schräg, sehr schräg, offenbart Corona einmal mehr Haltungen und Unternehmensphilosophie. Aber es gibt auch Positives zu vermelden: Der vertrauensvolle und offene Umgang der Lab Teilnehmen bleibt erhalten. Obwohl uns der Lock Down am Vorabend unserer öffentlichen Ausstellung trifft und uns das Event gründlich verhagelt.

Wo stehen wir? Ich würde sagen, wir sind vor der Halbzeit, ungefähr an der Stelle, wo alle noch einmal richtig Gas geben und Druck machen. Zugegeben, ich habe wenig bis gar keine Ahnung von Fußball und ich schaffe es, alle Fußball-Fettnäpfchen mitzunehmen. Was ich aber verstehe: Die Emotionslage ist in diesem Fall dieselbe.

Unser Team des Cross Innovation Labs hat die Feldforschung im Unternehmen hinter sich. Wir haben viele intensive Blicke hinter die Kulissen geworfen, haben viele Fragen gestellt - einige waren vielleicht auch etwas sehr direkt - und so haben wir gemeinsam Wissen zur Umsetzung der Fragestellung aufgebaut. Es ist uns zu acht am Ende des Tages tatsächlich gelungen, die Aufgabenstellung in einen Satz zu gießen, dem nichts mehr hinzu zu fügen ist. Okay, es hat gedauert, aber wichtig ist doch das Ergebnis. Und das ist natürlich der Knaller.

Nun, wie gesagt, kurz vor der Halbzeit, brechen wir ab. Dabei brennen wir darauf, das Lab im Rahmen der eigenen Ausstellung nach außen zu tragen, mit Gästen aus Industrie und Kreativwirtschaft über die Ideen zu sprechen, Erfahrungen auszutauschen, Inspirationen zu tanken.

Auch jetzt, Ende Juni, liegt die Ausstellung noch vor uns. Geplant ist sie für Mitte August. Delay: ein halbes Jahr. In der zweiten Jahreshälfte wollen wir mit entsprechenden Hygiene- und Sicherheitskonzept wieder mit anderen zusammenkommen.

Inzwischen habt auch unser Team den Weg in den digitalen Raum gefunden, in dem wir weiterarbeiten. Wir treffen uns in Teams und arbeiten in Miro, einem digitalen Whiteboard. Daneben kommunizieren wir in Slack, mit Mail, sms und wir telefonieren. Es funktioniert gut, allerdings fehlt die Workshop-Atmosphäre: Das Kribbeln am Anfang und die Vorfreude auf das, was zu Beginn noch in der Schwebe hängt … die Gespräche beim Kaffee … der Austausch in größerer Gruppe … die offenen Fragen, für die noch Antworten gesucht werden. Was mich als Markenarchitektin interessiert, sind die Herausforderungen. Eine Idee, ein Konzept, eine Marke und ein Menschen.

Die Idee von ARTELIER ATMOSPHER ist es, im agilen Netzwerk passgenaue Lösungen zu entwickeln, die für Menschen und Marken Antworten geben. Neue Ideen, die eine Form und Gestalt bekommen, weil dies ein gemeinsames Ziel ist, aus dem ein Sinn gestiftet wird. Ob es nun um ein Re-Branding als Workshop geht, bei dem das Team maximal mit gestalten darf, oder um ein Veranstaltungskonzept, das cross-innovativ entwickelt wird - es gibt keine Schubladenlösung. Im ARTELIER werden Lösungen gemeinsam entwickelt, zusammen mit dem Kunden - ähnlich wie im Cross Innovation Lab, über das ich weiter berichten werde.

Stay tuned!

��

Wenn Du Dich jetzt fragst, wann wir über Deine Herausforderung sprechen?

Am besten jetzt. Im Juli bietet ARTELIER ATMOSPHER ein individuelles Experten-Consulting an.

Eine halbe Consulting Stunde im Juli 2020 ist kostenfrei .

�� Du möchstest eine halbe Stunde Consulting for free? Schnell das Formular ausfüllen, die P lätze sind begrenzt. ��

Credits an die Teilnehmenden auf Kreativseite ...

Paul, Claudia, Anke, Florian, Bettina, Björn, Arne, Isabel, Eric, Maria Sofia, Marius. Hilke war auch mit dabei.

... und auf Unternehmensseite:

Tesa, Telefónica Germany, Tui Cruises, Basler Versicherungen, Vibracoustic, Avodaq / Cisco Systems

... für Konzeption, Durchführung und Orga:

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

Fotos:

Hilke Ludwigs

OMR 2020 durch die Brille der Markenarchitektur

Mon, 22 Jun 2020 13:02:50 GMT

OMR 2020 durch die Markenarchitektur-Brille

OMR . Diese drei Buchstaben können allerlei abkürzen, in der Internet-Gemeinde stehen sie für Online Marketing Rockstars. Ein amüsanter Name, der Programm ist: 2011 geht das Festival als Konferenz mit 200 Gästen an den Start – und wächst. Die Erfolgsstory in Zahlen: 52.000 Besucher, 600 Speaker, 400 Aussteller und zwei Format-Bausteine: Expo und Konfi. Ziemlich beachtlich finde ich es auch, sich als Not-OM die Themen anzusehen. Auf dem Zettel steht Content Marketing, E-Commerce, Social Media Marketing und SEO, womit ich nicht nur wegen der vielen Besuche in der Google Zukunftswerkstatt ganz gut was anfangen kann. Aber es wird noch wilder: Native Advertising und Kalendermarketing zum Beispiel. Der Blick auf die Speaker enthüllt internationale Superstars der Szene, Hidden Champions und Lokalmatadoren, mal ganz abgesehen vom Who is Who der Aussteller – dabei sein ist alles, ob nun digital Brand oder tankerartiges Corporate, ob nun Agentur oder Start up.

Philipp Westermeyer und Team macht Corona einen Strich durch die Rechnung, denn die #OMR20 kann, wie alle anderen Großveranstaltungen, nicht stattfinden. Natürlich ist es naheliegend, die Veranstaltung in den digitalen Raum zu shiften, denn viele der Teilnehmer sind ohnehin Digital Natives. Was man jedoch auch zur OMR wissen muss: Sie funktioniert neben der Wissensvermittlung (Expo) auch als Messe (Expo) und wird von einem ausgelassenen Spirit getragen, der eher an ein Festival als an eine Businessveranstaltung im Anzug erinnert. Wie bei einem Life Konzert geht es um das das positive Erleben, um Freude und Ausgelassenheit, um die Begeisterung und den Austausch zu den brennenden Inhalten – und um networking. Lässt sich das tatsächlich digital abbilden und erleben?

Statt Großveranstaltung gibt es Masterclasses , und ich gewinne ungefähr die Hälfte der Sessions, für die ich mich beworben habe. Große Freude, denn auf meinem Zettel steht zuerst einmal „ K reativität und Strategie für gesunde Marken“ . Das Thema begleitet mich schon fast mein ganzes Berufsleben als Markenarchitektin. Einer der größten Tiefpunkte war sicherlich die Finanzkrise, die viele Retail-Brands von der Einzelhandelskarte gefegt hat.

Corona hält das Brennglas zielgerichtet und fordert Antworten. Auch von Veranstaltungsbranche und Einzelhandel, von Konsumenten und Markt-Playern. „brands are born out of the union of people and ideas, and they start developing their own identity”, so formuliert es Karolina Pospichil.

Eine Entwicklung beinhaltet auch Krisen , von denen wir in den letzten Jahrzehnten einige erlebt haben. Unter dem Gesichtspunkt der Markengesundheit kann man eine Krise durchaus als Disruption und Bedrohung empfinden, allerdings auch viel wertvoller als die ultimative Chance für Neuerung, Neuausrichtung und Schärfung der Markenpositionierung und des Markenbildes . Es geht dabei auch um das Vertrauen, das eine Marke in sich setzt – und das Vertrauen, das der Markt und damit die Konsumenten der Marke entgegenbringen. Wie schnell Vertrauen verspielt wird, zeigt einer der internationalen Love Brands: Eben noch hypererfolgreicher Player, dann mittelloses Opfer, nur um staatliche Hilfen in Anspruch zu nehmen zu können. Die Frage nach Markenvertrauen bekommt eine ganz andere Konnotation- oder ist das schon wieder Schnee von gestern, weil die neue Kampagne eine super gelaunchte Challenge ist, und die Menschen „Ausrutscher“ vergessen lässt? Ich denke, es geht um mehr. Es geht auch um Sinnstiftung, Purpose, auf Neudeutsch.

Vielleicht ist es eine Gelegenheit, um noch weiter über die VUCA Welt nachzudenken, über Change-Modelle , die den emotionalen Veränderungsprozess abbilden („Roller Coaster Modell“, Hurst / Shephard oder „Trauerkurve“, Kübler-Ross), um einen Blick auf die vielfältigen Chancen zu richten, die in der Disruption liegen. Die Veränderungen sind überall und machen auch vor den digitalen Pionieren der Onlinemarketings nicht halt.

Auch auf der OMR fällt der Begriff „New Normal“. Eine mögliche Antwort, wie man eine Veranstaltung digitalisiert, kann zum Beispiel die eigene, digitale Arbeitsweise geben: Für die OMR scheint es ganz natürlich, die Masterclasses auf einer eigenen Plattform zu streamen, Slack als Collaborationstool für Smalltalk zu nutzen, um sich dann auf LinkedIn oder Xing zu connecten. Die Keynote hält Philipp zum Thema „State oft he German Internet“, sie wird live auf YouTube gestreamt und liegt dann zur Nachlese auch gleich am passenden Ort.

Die Tolls sind nicht neu, viele beschleunigen und vereinfachen auch meinen Arbeitsalltag und den des agilen Netzwerks ARTELIER ATMOSPHER. Damit unterscheidet sich das Studio von vielen klassischen Architekten und Innenarchitekten, manche mit einer behäbig-staubigen und vielleicht auch charmanten Art.

Natürlich spürt jeder Teilnehmer der digitalen Formate die „kognitive Schere“ . Sie schneidet im digitalen Raum Teile der gelernten Wahrnehmung derart ab, dass das Gehirn quasi in Eigenarbeit Fragmente nachbildet, ergänzt und das Bild vervollständigt. Das ist auch der Grund, warum Video-Calls den Menschen stärker auslaugen als Zusammenkünfte in real life.

Die Sehnsucht und Suche nach einem neuen Normal treibt auch die Teilnehmer der OMR an. Doch vielleicht ist das „New Normal“ gar kein endgültiger Zustand, sondern die Abfolge eines neuen Status an einen weiteren neuen Status, und so weiter? Eine Fortsetzung permanenter Veränderungen, bunte Permanent Beta-Perlen in einer schier unendlichen Kette aneinander gefügt? Aus meiner Sicht ist es längst nicht soweit, dass die neue Normalität ausgerufen werden kann oder sollte. Ich denke, dass wir zuvor noch ein paar Themen bearbeiten sollten, um ein gutes Ziel anzustreben: Bessere Ideen, bessere Arbeit, bessere Marken.

Zurück zum Event. Die OMR fasst im Digitalraum 60.000 Besucher. Dass wir Mitte Juni noch mitten in der Krise stecken, zeigt auch die Veranstaltungsbranche, die seit vier Monaten statt Messen, Hauptversammlungen und Events romantisch anmutende Autokinos in die Städte zimmert. Heute findet an 250 Standorten die „Night of the Light 2020“ statt, in der riesige rote Licht-Monumente errichtet werden. Mit dabei der Berliner Funkturm, Landmark der Messe Berlin, und natürlich ist die Frage berechtigt, ob auch der Hamburger Tele Michel heute Nacht rot erstrahlen wird. Anfang des Monats wurde ein neues Betreiber-Konzept von der Hamburger Messe und Philipp Westermeyers´ Ramp 106 GmbH vorgestellt, um dem Turm ab 2023 wieder Leben einzuhauchen.

Selbstverständlich wird Night of the Light gestreamt, aber es ist eher ein flammendes Aufmerksam-Machen und ein Connecten der Branche als ein reines Unterhaltungsformat. Auch dies eine Perle der Veränderungskette, in der sich die Veranstaltungsindustrie gerade mit wenig klarem Ausgang bewegt – ganz anders als die digitalen Player, die Ihre Lösungen aus dem Datenraum kommend in der analogen Welt verankern.

Was bleibt? Lebenslanges Lernen, zum Beispiel. Diesen Punkt arbeitet Herr Korte in der Masterclass „Mobility Circus – Warum wir uns schwertun, neue Wege zu gehen“ sehr deutlich heraus. Tatsächlich sind körperliche und geistige Agilität im Ergebnis vergleichbar, denn beide verhindern das Altern des Gehirns. Das Gehirn ist plastisch und zum Wachstum angeregt.

Das passiert auch, wenn der Mensch nicht in der eigenen Themenwelt sesshaft ist, sondern sich aufmacht, Neuland zu entdecken.

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Wenn Du mehr erfahren willst, welche Innovationen und neuen Ideen in Deinem eignen Brand oder im Corporate stecken, für das Du arbeitest, schreib mir eine Nachricht! Ich berate Dich gern - einfach unten auf den Button drücken. Ich freue mich auf den Austausch!

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Mehr Material:

- OMR 2020: Keynote von Philipp Westermeyer, " State of the German Internet" auf YouTube (sehenswert auch schon allein wegen des Setdesigns, nämlich ein historisches Klassenzimmer)

- OMR 2020: Überblick über die Masterclasses , Themen und Speaker

- Night of Light 2020

Logo:

Credits an OMR, Quelle: Wikipedia, aufgerufen am 22.6.20

Pics:

Hilke Ludwigs, aufgenommen aus der Keynote.

Modernisierungsavantgarde

Mon, 15 Jun 2020 09:25:52 GMT

Neues von der Modernisierungs-Avantgarde.
... oder: PowerPoint ist tot! Lang lebe Powerpoint?

Kennst Du das? Du beschäftigst Dich mit einem Thema und auf einmal begegnet es Dir überall. Spannend wird es dann, wenn man sich mit Trends und Innovation beschäftigt und sich ein Thema in unterschiedliche Richtungen ausprägt. Man könnte auch sagen:

Wenn man auf der einen Seite die Innovation sieht und auf der anderen Seite alter Wein in neue Schläuche gefüllt wird. Natürlich hübsch verpackt- also eher eine weitere Gin-Marke mit schickem Etikett.

Der Vortrag von Matylda Krzykowski am 7.1.20 in der der HFBK Hamburg ist ein einziges Feuerwerk an Präsentationsideen. Darüber habe ich ja schon vor einiger Zeit in meinem Blogbeitrag Present like a Pro geschrieben, und der Besuch endet für mich an der Pinnwand der HFBK. Hier gibt es allerlei Interessantes zu sehen: Leute, die einen Künstler suchen, der ein Bild fertig malt. Hilferufe von Agenturen, die Studenten in die Zitronenpresse locken. Und diese Anzeige einer Trendberatung, die fragt, wie ein Künstler einen Vortrag ohne PowerPoint halten würde. Wie „unverdorbener, kreativer Input“ aussieht- um dann doch die Frage zu stellen: „Oder geht es doch nicht ohne Charts- aber die müssen dann einmal ganz anders sein?“ Fragezeichen.

Fragezeichen 1 klebe ich an den Aushang von Trendforscherin S., Beraterin für digitalen Wandel und Transformation. Ich suche nach einer Haltung, wie ich diese Art der Feldforschung einordnen soll. Einerseits ist es immer eine sehr gute Idee, sich mit Kreativen auszutauschen: Künstlerisch und kreativ tätige Menschen haben einen unverstellten Blick auf die Themen und reflektieren frei und unabhängig neue Ideen, Sichtweisen, Prozesse und Modelle. Das ist eine super Sache.

Andererseits ist dieser Aufruf nach dem "unverdorbenen" Präsentationsformat ohne gängige Softwarelösung" wohl für Beraterin S. ein Thema. Noch im Anzeigentext wird die Idee in die Beliebigkeit entlassen, denn vielleicht ist die Idee, ihren Kunden eine Lösung ganz ohne PowerPoint anzubieten zu wollen, doch etwas zu ambitioniert.

Zum Abschluss der Anzeige finden sich ganz normalen Kontaktdaten. Ich frage mich, ob sich ein Künstler oder eine Kreative meldet?

Fragezeichen 2 klebe ich an das Thema New Work - ein riesiger Trend, das mit all seiner Kraft und dem Willen zur Veränderung Einzug in die Arbeitswelt gehalten hat. Wie weit entfernen wir uns vom Altbekannten? Wie weit ist es, bis ein neues Ufer erreicht ist? "Experimente und Irritationen", so ist auf der Homepage des Kompetenzzentrums Kultur- und Kreativwirtschaft des Bundes in Berlin getitelt, das zielt auf einen übergreifenden Dialog ab, aus dem Neues entstehen kann.

Wobei es dann nicht mehr um den Erhalt eines Präsentationsformates geht, sondern um ganz neue Ideen und Konzepte. In diesem Sinne ist auch die Anzeige der Trendberatung ein Indiz, dass wir auf dem Weg sind.

Diesen Blogpost habe ich geschrieben, bevor die Covid 19- Pandemie ausgebrochen ist. Doch im Wesentlichen trifft es auch in Corona-Zeiten den Nagel auf den Kopf: Wie wollen wir arbeiten? Es ist gut, dass die Festangestellten Erfahrungen im Home Office sammeln, und aus Konzernen hört man immer wieder, wie unvorstellbar diese Freiheit überhaupt ist- im Angestelltenverhältnis ohne Anwesenheitspflicht, ohne engere Kontrolle und in einer neuen Führung zu arbeiten.

Alina Gause ist selber Künstlerin und Diplompsychologin. Im Webinar am 11.6.20 von Swaantje Benson, an der HFBK zuständig für Professional Skills, Communication + Network, ging es um Karrieremodelle in künstlerischen Berufen . Spannende Insights und eine hervorragende Einordnung in übergeordnete Kontexte, in denen es am Rand auch um die Arbeitswelt jenseits Künstlerischer Arbeiten geht, nämlich um die Welt der Festanstellung mit ihren festen Modelle, Pfaden, Organisations- und Berichtslinien.

Wie verändert sich diese Arbeitswelt? Die Pandemie zwingt mit Disruption zu vermeintlich neuer Arbeitsweise - doch das ist nicht New Work. Die Idee von New Work ist größer, tragfähiger, weitreichender. "Zentrale Werte der „Neuen Arbeit“ seien Selbstständigkeit, Freiheit und Teilhabe an Gemeinschaft. Diese solle aus drei etwa gleichen Teilen bestehen: Erwerbsarbeit, „smart consumption“ und „High-Tech-Self-Providing“ (Selbstversorgung auf höchstem technischem Niveau) sowie „Arbeit, die man wirklich, wirklich will“", so fasst Wikipedia die Ideen von Frithjof Bergmann zusammen, dem Gründer der New Work - Bewegung. Das war Ende bereits der 1980er Jahre.

Warum also nicht Zusammenhänge neu denken? Alina Gause formt den Begriff " Modernisierungsavantgarde " und weist auf die Potentiale, die Kunstschaffende als Selbstverständlichkeit mit- und einbringen: Kreativität, Flexibilität, Ausdruck, Fantasie und Autonomie - um an dieser Stelle einige Eigenschaften aufzuführen. Ein ungeheuer wertvoller Schatz, der darauf wartet, gehoben zu werden um seine volle Kraft auch in anderen Arbeitsbereichen zu entfalten. Let´s work new!

Credits

* Swaantje Benson ist an der HFBK Hamburg zuständig für Professionalisierung, Abt. Kommunikation und Vernetzung

* Alina Gause für die Berliner Agentur artists-way. Mehr Lesestoff von und über sie findet Ihr im Blog auf ihrer Homepage

* Wikipedia, abgerufen am 15.6.20 unter https://de.wikipedia.org/wiki/Frithjof_Bergmann

* Die Pinnwand und Aula der HFBK Hamburg

Fotos

* Fotos von David Hockney zur Ausstellung "Die Tate zu Gast", im Bucerius Kunst Forum, Hamburg (Museumsshop).

Foto von Hilke Ludwigs wie auch das Fotos der Pinnwand in der HFBK Hamburg

Frozen Figures

Sun, 07 Jun 2020 17:46:43 GMT

Frozen Figures, Robot Girl und ein Casino aus Sand. - Was noch, Kunstwelt?

Wer vor der Pandemie in Hamburg unterwegs war, kennt auch die Straßenkünstler: Der La Paloma - Akkordeon-Spieler an den Landungsbrücken. Die Seifenblasen-Frau, die unförmig schillernde Gewölbe in die Luft stellt. Oder die kleine Gruppe, die in unmöglichen Haltungen der Schwerkraft trotzen. Staunend versammeln sich die Beobachter.

In Hamburg sind viele öffentliche Plätze ebenerdig gestaltet, um die demokratische Haltung in die Platzgestaltung zu übersetzen. Der Rathausmarkt hat jedoch einige Stufen. Es ist schon eine Weile her, dass hier zwei junge Männer rückwärts fallend wie in Stop Motion in der Luft gehalten wurden - ohne auf dem Boden aufzuschlagen. Tag für Tag eine Illusion, die ziemlich verwirrend wirkte, so dass offene Münder fragend davor verharrten. Vielleicht ein politisches Statement, vielleicht eine Verneigung vor der Kunst?

Xu Zhen ist sicher nicht auf das Hutgeld der Straßenkünstler angewiesen. Als „Shanghaier Tausendsassa“, wie ihn die NZZ bezeichnet, spielt er längst in einer anderen Kategorie, und zwar „nicht als Künstlerperson, sondern nur noch als Label“. Er gründetet die „MadeIn Company“, hat die erste Einzelausstellung 2016 in Graz absolviert und ist Teil der Sammlungen von Tate Modern und Centre Pompidou. 2014 und 2019 konnte der kunstfertige Art Basel - Besucher seine Arbeiten bestaunen: „In just a Blink of an Eye“ verharrt eine menschliche Skulptur wie eingefroren im freien Fall. Die „living Sculpture“ scheint in der Zeit festzustehen, ist aber dennoch lebendig wie auch die anderen Performances, die Klaus Biesenbach und Hans Ulrich Obrist in den „14 Rooms“ der Art Basel 2014 kuratierten. Auch die Architektur ein Hochkaräter, von niemand geringerem als Herzog & de Meuron, die 2013 den Neubau der Messehallen mit dem „Fenster zum Himmel“ umgesetzt haben, das den öffentlichen Raum überdacht und zu einem besonderen Ort der Begegnung macht.

„14 Rooms“ zeigte polarisierende Arbeiten, etwa Marina Abramovic und Yoko Ono, Damien Hirst und Bruce Naumann. Wer kennt sie nicht? Mich persönlich hat unter allen Künstlern auf der Messe Jordan Wolfson am meisten gefordert. Zugegeben- 2014 kannte ich weder ihn noch Xu Zhen. Insbesondere Wolfson hat sich in mein Gedächtnis eingebrannt, denn seitdem weiß ich ziemlich genau, wie es sich im uncanny valley, dem „Gruselgraben“ Künstlicher Intelligenz, anfühlt. Es ist dort ziemlich nervenaufreibend und eine Mischung aus der Installation Ugly / Beautiful, wie die creepy „Female Figure“, einer abstoßenden, sexy KI, die einen lasziv tanzend mit ihren irren Texten und wachen Augen verfolgt und jedem Blick standhält.

Wolfson ist Jahrgang 1988, ein Künstler, der intuitiv in die Welt der Werbung, des Internets und der Technologie greift, um mit Video, Skulptur, Installation und Performance rätselhafte Erzählungen zu schaffen. Ehrgeizige Projekte mit eigener Ästhetik, wie in „Ugly / Beautiful“. Wem das alles gar nicht schauderhaft vorkommt, für den lohnt jetzt der Besuch auf YouTube.

Dort findet sich auch ein Video der Unlimited, dem Teil der Art Basel, welche die Großformate zeigt. „Nirvana“ von Xu Zhen ist eine Mischung aus Rauminstallation und Performance: Leere Casino Tische, die in rituelle Zeremonien von Croupiers mit farbigem Sand bestäubt werden. In der Luft das mechanische feine Geräusch, das die Mönche des Konsums produzieren und die Neugier der Menschen, wie sich Kunst wohl anfühlt. Ob man nicht doch mit einer kleinen Fingerspitze die Farbigkeit berühren darf…?

Nachlese und Credits:

- Was ist ein „uncanny Valley“? Antwort findest Du im Blogpost „AI: More than Human“

- Moca, Amanda Hunt on Xu Zhen, Video auf YouTube: "In Just a Blink of an Eye"

- Xu Zhen: Nirvana / Art Basel 2019 Unlimited, Video auf YouTube

- Jordan Wolfson - Female Figure - The Artist's Studio – Video auf MOCAtv

- “Körperschaften”- Artikel in der NZZ, Minh An Szabó de Bucs am 23.11.2015:

Pics:

Hilke Ludwigs

... zu guter Letzte eine Notiz in unserem eigenen Namen:

Ich verlinke, damit Du mehr Spaß beim Lesen hast und weiterführende Informationen findest. Außerdem glaube ich daran, dass das Internet ein Ort der Verknüpfung sein sollte. Ich übernehme keine Verantwortung für die Links, Bildrechte und Aussagen Dritter.

AI - More than Human

Mon, 01 Jun 2020 20:54:48 GMT

Die Ausstellung AI: More than Human im Londoner Barbican Center

Fernweh und Fürst Pückler, Vanille, Schokolade und Erdbeere. Das Eis war im 19. Jahrhundert eine ziemlich trendige Innovation, genauso wie die weitläufigen Landschaftsparks im britischen und französischen Stil. Mächtig beeindruckend, was Hermann von Pückler-Muskau neben Eiskreation und Landschaftsarchitektur hinterlassen hat: Als Reiseschriftsteller wird ihm auch die Wortschöpfung „Fernweh“ zugeschrieben. Fernweh ist die „ … menschliche Sehnsucht, vertraute Verhältnisse zu verlassen und sich die weite Welt zu erschließen.“ (Wikipedia)

Was ist eigentlich mit Fernweh und Innovation in Corona Zeiten? „Vertraute Verhältnisse“, ist das eine geeignete Beschreibung der Gegenwart, die massiven Veränderungen ausgesetzt ist und vielleicht eher als VUCA World beschrieben werden kann?

Fernweh – ja, das habe ich, und zwar nach London. Nach Inspiration, Kunst und Kultur, nach neuen Perspektiven. Zuverlässig zeigt mir die KI meines Smartphones die besten Augenblicke aus Vergangenheit und Gegenwart. Was ich auf den Bildern sehe, dreht sich auch um die Zukunft. Um AI, artificial intelligence (KI, künstliche Intelligenz). AI: More than Human , eine Ausstellung im Londoner Barbican Center , die ich 2019 besucht habe. Eine nachhaltig wichtige Angelegenheit!

In einer Ausstellung zwischen Wissenschaft und „Festival-Style“ (Barbican) begegnet mir Alan Turings Wundermaschine, die ziemlich mechanisch aussieht. Ada Lovelace, erste Programmiererin und Pionierin, ist natürlich auch da. Snippets aus alten Filmen wie Golem und Mary Shelleys "Frankenstein", oder neuen Animes wie "Ghost in a Shell" oder die animierte Sitcom "The Simpsons". In ziemlich schnellen Sprüngen lernt der Besucher die kulturellen und theoretischen, wissenschaftlichen Hintergründe kennen. Viele Objekte und Infotafeln später ist der Besucher fast schon in der Gegenwart angelangt: Der Robo Dog Aino von Sony. Alpha Go, das legendäre Computerspiel von Deep Mind, das auf Grundlage von Machine Learning den menschlichen Weltmeister schlägt. Watson von IBM, der 2011 in der Quizsendung Jeopardy seine menschlichen Konkurrenten besiegt.

Worum geht es bei KI? Längst nicht mehr um reine Unterhaltung oder um die augenblickliche Bereitstellung von Wissen. Es geht darum, aus dem Wissen neue Rückschlüsse zu ziehen, neue Wege zu finden. Es geht um Innovation.

Ok, Google, was ist denn mit „Künstlicher Kunst“? Die gibt es in der Ausstellung auch. Werke von Maschinen, aus Fotos und Filtern willkürliche abstrahiert. Ein Bild erinnert mich an die Gemälde von Francis Bacon , Meister des Grauens. Aber auch der Film ist Medium der Maschinen. Ein Video ist animiert und ich fühle mich, also ob ich einem Rechner bei einer freien Bildassoziation zusehe, die wie ein Fiebertraum aussieht. Da ist er, der Gruselgraben, das „uncanny Valley“: Das Gefühl, wenn die Akzeptanz für Roboter, Avatare und andere „Träger“ in den Keller rutscht. Es entsteht, wenn sich Maschinen zu menschlich verhalten.

Weiter geht die Ausstellung: Nano-Robots, das sind intelligente Einheiten, die tauchend Aufträge ausführen. Dort liegt ein gedrucktes Ohr in Nährlösung. Jetzt kommt für mich der poetische Teil der Ausstellung: Eine filigrane Lamellenstruktur in Form der Sydney Opera, vibrierend zum Gesang von Pavarotti. Ein mechanisch angetriebener Schmetterling. Eine Chromfigur, die wie ein Assembly von SciFi-Autor William Gibson und dem Skulpturen-Künstler Tony Cragg wirkt und schwerelos über einer Platte schwebt. Und dann wird es aufregend: Das Alter (Ego) von Hiroshi Ishiguro ist ein Roboter mit Gesicht und Armen, der sich wie ein Zentaur auf einem etwas zu grob geratenen, schnurrendem Gestell bewegt. Er streckt seine Arme, hebt seine Hände und ich finde ihn irgendwie ganz freundlich. “What a Loving and Beautiful World” , wie die interaktive Rauminszenierung von teamLab heisst, ist Programm.

Könnte man meinen, wenn da nicht die Sache mit den Vorurteilen wäre, die wir bewusst oder unbewusst aller KI einweben: Rassistische und geschlechtsspezifische Voreingenommenheit als Teil von Big Data, die eine Echokammer in die Zukunft öffnen. Was für ein Alptraum, den die Forschungsarbeit von IBM genauso eindrücklich belegt wie die Arbeiten von Joy Buolamwini, Poet of Code.

Wie lässt sich das Ende dieser Ausstellung gestalten? Entweder mit einem Dessert oder einem Drink. Die KuratorInnen haben sich für den Drink entschieden, und den gibt es, stilecht und mit Eis, an der MarkShakr Bar, gemixt von einem Robot.

Vielleicht heißt er ja Hermann.

Nachlese und Credits:

- Barbican Center , London

- Zur Ausstellung AI: More than Human im Barbican Center, zu Inhalten, Exponaten, KünstlerInnen und KuratorInnen:

- „Eine neue Welt. Wo Maschinen lernen, reagieren und reagieren wie Menschen“.

Zur digitalen Ausstellung mit Nachlese und Videos bei Google Arts & Culture

- Die Kuratorin Suzanne Livingston im Interview bei Google Arts & Culture wohin KI führen wird.

Lesenswert finde ich besonders die Einordnung in den kulturellen Kontext Europa vs. Asien/ Japan.

Pics

Hilke Ludwigs

Music in a Net

Mon, 25 May 2020 21:09:14 GMT

Music in a Net.

Frappierend, wie manche Dinge zusammengehören oder für eine kurze Zeit eine Verbindung eingehen. Oder vielleicht ist das auch nur im Nachhinein so, dass sich Teile zu einem Puzzleabschnitt zusammenfügen, die gar nicht unbedingt zusammengehören … aber dennoch zusammenpassen?

Heute habe ich einen Song von der Band "Portugal. The Man" gehört und auf einmal war ich mit meinen Gedanken ganz woanders:

2013, Invalidenstraße, in den Alten Opernwerkstätten am Nordbahnhof Berlin. Mitten im Photography Playground , einer temporären Ausstellung.

"Portugal. The Man", diese Band war mal ein Insider Tipp für Indie Fans. Die Männer verstehen sich selber als eine Art Kollektiv: The Man, ein Mann für alle und alle für einen. 2013 gibt die Band in den Opernwerkstätten einen Gig, ziemlich crazy in einem dreidimensionalen Bühnenbild, einem verwobenen Netz. Sie werden zum Teil einer Inszenierung, eine Art Oper, umgeben von einer beeindruckenden Kulisse aus Kunst und Architektur.

Der Gig fand in einem schwarzen Netz statt, dass den mehrstöckigen Luftraum der Opernwerkstätten ausfüllte. Das Netz stammt aus den Händen von Numen / for use . Wortwörtlich aus den Händen, denn die Männer aus dem Kollektiv schaffen mit den eigenen Händen begeh- und begreifbare Erlebnisse: Konzeptkunst, Szenografien, aber auch Raumgestaltung und Industriedesign. Christoph Katzler, Sven Jonke, und Nikola Radeljkovic erschaffen Objekte, seltsam anmutende Hybride an den Schnittstellen zwischen Utopie und Überraschung, zwischen Flüchtigkeit und Architektur. Das Netz in den Opernwerkstätten ist eines der früheren Werke, eine dreidimensionale Verwebung innerhalb einzelner Frames. Es wird beklettert, bestaunt und mit Vorwärtsrollen erkundet. Es ist eine Installation und temporäre Bühne.

Woran ich mich noch erinnere, wenn ich "Portugal. The Man" höre? An Schlangen wartender Menschen, nass vom Regen mit bester Laune, die den Photography Playground von Olympus erkunden. Tagsüber, um die Werke von 12 internationalen Künstlern durch das Auge einer Kamera zu erleben. Nachmittags, um an speziellen Workshops teilzunehmen. Und abends, um die Opernwerkstätten zu rocken.

Ich erinnere mich an lange Tage und lange Nächte, um dieses Projekt zu entwerfen, zu planen und umzusetzen. Natürlich nicht alleine, die 7.000qm brauchen viel Herz und Hirn, um sie mit einem funktionierenden und erfolgreichen Konzept mit Leben zu füllen. Dazu braucht es auch einen mutigen Auftraggeber. Als Architektin durfte ich viel Zeit mit diesem Marketing - Team von Olympus verbringen, Konzepte präsentieren, die Kurationen abstimmen und die Planungen feinschleifen. Noch viel mehr Zeit habe ich mit den Agentur - Kollegen verbracht, mit Fachleuten, Freelancern, Möglichmachern.

Was am Ende bleibt? Musik und Kunst. Fotos und Erinnerungen. Dazu zählen auch die Gespräche mit Christoph von Numen / for use, der weit oben das Netz verspannt und mit dem Steiger herunterfährt, damit wir uns in einer Pause einfach irgendetwas Kurzweiliges erzählen.

Was bleibt ist Architektur. Inzwischen gibt es die Alten Opernwerkstätten in ihrer ursprünglichen Form nicht mehr. An der Stirnseite wurde ein markanter Bühnenturm von den Architekten Ortner + Ortner errichtet, der die alte Fassade überragt und unkenntlich macht. Man muss schon genau hinsehen, will man sich an die alte Eingangssituation erinnern, den historischen und auch spröden Charme des Gebäudes wiederfinden. Heute ist die Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch in den Opernwerkstätten, und da, wo heute die Mensa auf einen Kaffee einlädt ... ja, was war da eigentlich 2013?

Credits
- Olympus in der Rolle "Mutiger Superkunde" mit diesem Hammer Photography Playground
- Numen / for use als das Kollektiv selbst
- Portugal. The Man als Opernsänger und Orchester gleichzeitig, oder einfach als „Die Band“.
- Vitamin e als Lead Agentur, bei der ich die Architektur und das interdisziplinäre Team verantworten durfte. Danke!
- German Design Award , iF Communication Design Award, Red Dot Award, ADC Award, Effie Award, bea, Gala Award, Galaxy Award als ultimative Konfetti – Kanone

Pics
Hilke Ludwigs (Artpiece von Portugal udn Award)

Ken Schluchtmann von die-photodesigner.de (Installation "Net Berlin")

Store Branding mit Natur

Mon, 18 May 2020 20:02:55 GMT

Store Branding mit Natur pur, oder: naturathek – mein erstes Filialkonzept

Eine der vielen schönen Facetten am Beruf des Architekten ist es, Ideen in Räume zu übersetzen. Noch schöner ist es, wenn man sich auf einem neuen Spielplatz austoben darf, auf dem man viele andere trifft, die – mehr oder weniger – dasselbe wollen. In diesem Blogpost unternehmen wir eine Zeitreise ins Jahr 2007.

Es war einmal eine Drogerie-Einkaufsgesellschaft, die im damals stark wachsenden OTC- und Kosmetik-Markt eine neue Marke und ein neues Shopkonzept platzieren wollte. Gesagt getan wurde eine Marken-Positionierung zwischen Drogerie und Apotheke entwickelt, um eine Gesundheitsmarke im Lifestyle-Segment erlebbar zu machen, dann in ein ästhetisches und funktionales Raumkonzept umgesetzt, naturathek getauft und innerhalb eines neuen Filialnetzes in der Republik ausgerollt.

Das alles ist schon so lange her, daß ich selber nachschlagen muss. Was ich noch genau weiß: wie nervös ich damals war, als ich mit meiner damaligen Chefin und dem Abteilungsleiter zur Eröffnung des Piloten nach Sindelfingen fuhr und uns die gebogenen Spanten an den Rückwänden entgegenleuchteten.

Woran ich mich auch noch erinnern kann, ist der Glücksmoment, in dem Raum zu stehen, den ich entworfen habe. Doch wie hinter jedem erfolgreichen Projekt steckt auch hier Teamwork. Nicht nur bei Umdasch, bei denen ich als Innenarchitektin gearbeitet habe. Dort arbeiteten wir von der Kreation bis zur Umsetzung über mehrere Schnittstellen hinweg zusammen, und bis heute hat Umdasch das eigene Portfolio eines Ladenbauers mit GU-Leistungen hin zum Global Player ausgearbeitet. An der naturathek haben damals auch zwei Agenturen mitgearbeitet, und federführend auch der Kunde selber. Von Serviceplan stammt der Markenkern und die Strategie, Lencos Marketing begleitete den Aufbau des Sortiments.

Damals war ich so glücklich, mein Projekt ab Seite 54 in der aktuellen „Shop aktuell“ zu entdecken, gleich hinter dem Interview mit Fitch, die als Brand und Retail Consultants immernoch den wertvollen Marken der Welt eine einzigartige Geschichte im Raum erlebbar machen. Damals war ich als Shop Designerin bei Umdasch angestellt. Ich entwickelte Konzepte für neue und bestehende Marken, pitchte, designte Fresh - ups, plante Umbauten und Erweiterungen und auch Einzelmöbel für einzelne Flächen, große und kleine, bis zum hochfunktionalen Rollout.

Was ist geblieben? Mein Handwerkszeug:

Erstens, Storytelling im Raum, Erlebnis und eine Stringenz der Idee, die sich bis ins Detail fortsetzt und dem Kunden so ein immersives Erlebnis schenkt. Ein Raum, der eine begehbare Idee ist.

Zweitens, mit Stift, egal ob auf einem Papier oder einem Display, bringe ich meine Ideen in die Welt, denke sie weiter, ordne sie und arbeite dann weiter die Funktionalitäten, Abläufe, gesetzlichen Anforderungen, Sortimentsabhängigkeiten usw. ein. Atmosphäre und Raum habe ich immer noch sehr schnell vor dem inneren Auge, und am Ende wird das Konzept in mehreren Perspektiven ausgerendert.

Wer nun neugierig ist findet im pdf die Herleitung mit Skizzen und Konzept.

Credits:

Esüdro, Einkaufsgesellschaft Deutscher Drogisten AG

Umdasch Store Makers

Serviceplan

Fotos:

Umdasch Store Makers

Innovate, don´t Die! Teil 2

Mon, 11 May 2020 12:11:15 GMT

Innovate. Don´t Die!
Teil 2

Kann man mit oder trotz Innovation scheitern? Besser gefällt mir die Formulierung: Innovate, don´t die. Auch und gerade jetzt, im Hinblick auf die schweren Erschütterungen der Corona Krise, geht es darum, eine Perspektive einzunehmen.

Als ich Anfang März Teil 1 und 2 dieser kleinen Artikelserie geschrieben habe, waren die ersten, massiven Erschütterungen der Coronakrise in der Veranstaltungs- und Eventbranche spürbar - doch es war noch nicht klar, wie schnell und weit sich die Welle ausbreiten würde. Ready or not - die Krise hat jeden in seiner oder ihrer individuellen Situation erreicht. Was nun?

Wie wäre es, wenn uns die Herausforderungen der Krise zu neuen Ideen, neuen Denkweisen und neuen Lösungswegen führen? Ein Blickwinkel, der mir gut gefällt, und Ähnlichkeiten mit Innovationsprozessen hat. Diese Perspektive einzunehmen ist eine Herausforderung an sich selber, auch wenn man sich im eigenen Leben, dem beruflichen und privaten Netzwerk, umschaut.

Erfolgreiche Innovationen sind in erster Linie dadurch gekennzeichnet, dass sie generell auf Fähigkeiten basieren und weniger ein Bewahren der Gegenwart sind. Erfolgreiche Innovationen sind vielmehr ein Wettlauf um die Zukunft. Dies bedeutet, dass weniger „Management“, sondern vielmehr „Leadership“ als Kernfähigkeit gefragt ist. Soweit in den Worten von Dr. Hubert Weber und Frau Petra Erhard, die am Institute für Growth and Innovation den Innovationsprozess in drei Schritte gliedern.

1. Innovation beginnt mit Chaos.

2. Der weitere Weg verläuft nicht linear, sondern mäandert wie ein Fluss durch die Landschaft, um dann

3. erst zum Schluss eine Form zu bilden, also ein Ergebnis zu liefern.

Innovation als eine ergebnisoffene Pokerrunde? Nicht, wenn man weiß, wie der Prozess abläuft und damit steuerbar wird. Der Prozess zielt auf EIN Ergebnis - nicht auf DAS Ergebnis, was vorher schon definiert wurde. Insofern ist eine gewisse Unsicherheit einbeschrieben, die es auszuhalten gilt.

EIN Ergebnis oder DAS Ergebnis - diese drei Buchstaben machen einen riesigen Unterschied in Theorie und Praxis. Wie fühlt es sich an, dieses "Permanent Beta"? Für mich erst einmal irgendwie seltsam, dann sehr frisch mit einem Versprechen von Freiheit und einer Forderung an das eigene Verständnis von Arbeit.

Ein persönlicher Bezugspunkt ist für mich das Cross Innovation Lab der Hamburg Kreativ Gesellschaft, was im Frühling diesen Jahres gestartet ist, und in dem ich mit anderen Kreativschaffenden die Innovationsvorhaben von Nicht-Kreativunternehmen angehen. Das temporäre Labor setzt auf Kollaboration und baut ein "Experimentierfeld auf Augenhöhe" auf, um die Sichtweise hochqualifizierter Spezialistinnen und Spezialisten aus der Kreativwirtschaft auf die Aufgabenstellungen der Partner fokusieren, diese zu hinterfragen und damit Raum für neue Ideen aufzuziehen - um die Aufgabenstellungen NEU beantworten lassen. Dazu gehört es auch, sich nicht auf die Felder der Branchenkenntnisse, Fachtermini und des Das-haben-wir-immer-so-gemacht einzulassen, sondern die Expertise des Gegenübers wertschätzend anzunehmen und im gleichen Zug auch die egene Expertise verständlich und ohen Fachchinesisch einzubringen. Kommunikation, Empathie und Vertrauen sind die vielleicht wichtigsten Werkzeuge, um unter Zeitdruck gute Ergebnisse auf dem gemeinsamen Job zu produzieren. Der Schlüssel zum Erfolg ist ein wohl organisierter und erprobter Prozess, der mit der Stopuhr facilitiert und moderiert wird

Eine andere Erkenntnis aus dem Lab ist die Erfahrung eines gemeinsamen Nenners an branchenübergreifenden Herausforderungen: Preispolitik, Delays, Leistungsdruck und Kommunikation orientieren auf die Bezugsgröße Performance- eines Standorts, einer Unit, eines Teams, jeden Einzelnen. Wenn man genau hinsieht findet man darin etwas Gutes- die Erkenntnis, dass diese Herausforderung jeden Berufstätigen trifft, ganz gleich, in welchem Feld. Geteiltes Leid ist halbes Leid? Sharing is Caring? Welche positive Perspektive können wir gemeinsam, und jede einzelne für sich, daraus entwickeln? Mir gefällt es, das Lab als positives Beispiel zu sehen, wie Arbeit anders funktioniert - und neben Spaß und Wertschätzung wertvolle Ergebnisse produziert.

Tatsächlich stehen wir nun zwei Tage vor der Eröffnung unsere Ausstellung an dem wir uns, unsere Ideen und Projekte der Öffentlichkeit präsentieren wollen: Das Corona Virus drückt auf die Pausetaste, stoppt den kreativen Prozess, der an vielen Stellen von persönlicher Nähe, Spontanität und dem direktem Austausch der Gruppe lebt.

Nun ist es Anfang Mai, in 7 Tagen sollte die Finisasage stattfinden ... und hinter mir liegen ganz andere Entscheidungen, Themen und Prozesse, als ich es mir hätte vorstellen können. Natürlich hat sich auch das das Lab in den virtuellen Raum verschoben. Wir sind um die Remote Work – Erfahrungen reicher, kennen und beherrschen viele digitalen Tools ... nur eine Facette von New Work, die sich weiter etablieren wird.

Die nächste Etappe unseres Lab- Teams wird ein digitales Workshop Format sein, das wir aus der alten analogen Welt übertragen wollen. Es bleibt also spannend und für mich zeichnet sich ab, das ich mit zwei Artikeln dieser Serie wohl nicht gerecht werde ... und über eine Fortsetzung nachdenke. Und da sich in Zeiten von Corona alles wahnsinnig schnell ändert - stay tuned, Fortsetzung folgt - tbd.

Credits an die Teilnehmer auf Kreativseite :

Paul, Claudia, Anke, Florian, Bettina, Björn, Arne, Isabel, Eric, Maria Sofia, Marius und meine Person.

... und auf Unternehmensseite:
Tesa
Telefónica Germany
Tui Cruises
Basler Versicherungen
Vibracoustic
Avodaq / Cisco Systems

... für Konzeption, Durchführung und Orga:

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

Foto:

Hilke Ludwigs

Innovate - or Die? Teil 1

Mon, 11 May 2020 12:10:06 GMT

Innovate or Die?
Teil 1

Gibt man diese 3 Worte – ohne Satzzeichen – in Google ein, wirft die Suchmaschine in 0,39 Sekunden ungefähr 10.100.000 Ergebnisse aus. Diese schiere Menge setzt das Buzzwording in ein neues Licht. Ich frage mich, wer wohl der Urverfasser des Ausspruchs ist, und ergänze Jahreszahlen. Bei 199… passiert noch nichts, Google schlägt keine Treffer vor. Wie arbeitet SEO eigentlich auf alten Webpages, frage ich mich kurz, und wechsle das Jahrhundert. 200… wird mit der 4 vervollständigt. Ein schönes Fundstück, noch buzziger als gedacht, lautet „innovate and die“. Verfasser ist das IGI aus München, die eine hübsch blau-weiße Studie bereithalten.

Das Ganze erinnert mich zuerst an Adolf Loos, Architekt, Kritiker und Wegbereiter moderner Architektur, der mit seiner Schrift „Ornament und Verbrechen“ 1910 für ziemlichen Tumult sorgte. Die Umdeutung zu Ornament ALS Verbrechen war nicht weniger brisant – was 3 Buchstaben so ausmachen.
Zurück zum blau-weißen Paper. „Unternehmen stehen unter einem enormen Ergebnis- und Kostendruck [und] können im Wesentlichen zwischen drei Wachstumsstrategien wählen: [1] Innovation (organisches Wachstum), [2] Strategische Allianzen/Joint Ventures und [3] Mergers & Acquisitions … Insbesondere der Faktor Innovation wird … als der Werthebel angesehen. … Doch viele Innovationsaktivitäten führen nicht zum erhofften Ergebnis. Mit Innovationen alleine werden keine Spitzenresultate im Unternehmensergebnis erreicht. Nur eines von drei Unternehmen schafft es, mit Innovationen breite Kundensegmente neu zu erobern oder höhere Preise durchzusetzen.“
Was ist und was war Innovation aus Unternehmenssicht? Der Grund für höhere Preise? Oder die neue Duft-Formel für WC-Steine, die IoT Vernetzung zwischen Waschmittelverpackung und Waschmaschine? Aushängeschilder strahlender Innovationskraft, nannte das der Vertreter eines Konzerns in seiner Präsentation über Category Management vor 4 oder 5 Jahren. Was ist die Relevanz dieser sogenannten Innovationen?
Um es mit den Worten der Strategieberaterin Kristina Bonitz aus Hamburg zu sagen: „Zuhören ist ein Standardtool der Innovation.“ Anders gefragt: Wer wünscht sich den tausendsten WC-Stein mit Hawaii-Duft? Was ist eigentlich mit der Verantwortung und dem Sinn, der den Dingen innewohnen sollte? Design ist kein Selbstzweck. Innovation auch nicht. Worum geht es? Kristina appelliert in Ihrem Vortrag „WER/WIE/WAS! Für Design und Nachhaltigkeit“ ein ums andere Mal den gesunden Menschenverstand, um die Zuhörenden im designxport Hamburg zum Nachdenken und damit auf Spur zu bringen. Vereinfachen statt verschleiern. Vereinfachen statt über-komplizieren. Verantwortung tragen. Das alles läuft auch auf Nein-sagen heraus. Auch der ADC schlägt in diese Kerbe und ruft für das Festival „The Power of No“ aus. In letzter Konsequenz sogar so sehr „No“, dass das Festival am Donnerstag wegen Corona abgesagt wurde.
Zurück nach Bayern, ich werfe noch einen Blick ins Paper. Ab Seite 5 geht es um Aspekte der Innovationsfähigkeit, um Prozesse, strategische Aspekte, Unternehmenskultur. Alles wichtige Punkte, die es näher zu betrachten gilt. So wie auch die Menschen, die den Wandel im Unternehmen mitgestalten, mittragen. Oder die Menschen, die den Wandel gestalten und tragen, die Menschen, die Verantwortung übernehmen, auch unbequem sein können, weil Ihnen die Sache am Herzen liegt und es weniger um Gefallen geht als um ein Dienen an der Idee.
Dafür braucht es zwei Zutaten, Mut und Demut. Auf diese beiden Worte bricht es Michael Schieben herunter, der als Facilitator, als Moderator und Vertrauensmann im Cross Innovation Lab nicht das erste Mal eine wilde Mischung kreativer und industrieller Unternehmen in der Hamburger Laborküche experimentieren lässt.

Ich denke, das ist einen eigenen Blogeintrag wert.

... In eigener Sache:

Teil 1 und Teil 2 habe ich im Anfang März 2020 geschrieben, als ich mitten in einem Co-kreativen Prozess steckte und die massiven Veränderungen, die durch die Corona Pandemie ausgelöst werden würden, nicht auf uns zukommen sah. In wenigen Wochen hat sich vieles verändert, trotz der an vielen Stellen pausierenden Entschleunigung hat sich einiges - oder vieles? - bereits selber überholt.

Seitdem habe ich lange überlegt, welchen Inhalten ich in diesem Blog Raum geben möchte, was angemessen und zumutbar ist, was Dich als Leser interessiert und eine neue Perspektive bringt. In diesem Sinne hoffe ich, dass Dir der Beitrag gefällt- und wenn dies nicht so ist, würde ich mich freuen, Deine ehrliche und konstruktive Einschätzung kennenzulernen. Schreib mir gern eine Mail oder ping mich über Social Media an und verrat mir, was Dich interssiert. Was Du hier lesen möchtest.

Credits:

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Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

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Hilke Ludwigs

Mit Vibracoustic im Cross Innovation Lab

Thu, 05 Mar 2020 17:09:57 GMT

Mit Vibracoustic im Cross Innovation Lab

Das Cross Innovation Lab feiert heute seine digitale Finissage und zeigt die Ergebnisse der Innovationsvorhaben.

Was steckt dahinter?

Von Beginn an mitgestalten

Der Ansatz

Format & Methode

Was sind die Ergebnisse?

Kompetenz für den Kulturwandel
Teambuilding
Prozessinnovation
Serviceinnovation
Digitale Transformation
Geschäftsmodell
Produktinnovation

Diese Veranstaltung findet heute, Mittwoch, 30.09.2020 um 18:00 Uhr als Zoom Meeting statt.

Credits

Zeichnung von Magdalena Vollmer**

Quellen:

* https://kreativgesellschaft.org (Abruf am 30.9.20)

**raumstrategin.com

Du interessierst Dich,

wie wir Dein Innovations Vorhaben

auf die Straße bringen können?

Dann lass´ uns sprechen. Schick mir einfach eine Nachricht über das Formular oder per Mail:

Credits an die Teilnehmenden auf Kreativseite ...

Paul, Claudia, Anke, Florian, Bettina, Björn, Arne, Isabel, Eric, Maria Sofia, Marius. Hilke war auch mit dabei.

... und auf Unternehmensseite:

Tesa, Telefónica Germany, Tui Cruises, Basler Versicherungen, Vibracoustic, Avodaq / Cisco Systems

... für Konzeption, Durchführung und Orga:

Hamburg Kreativ Gesellschaft

Graphic Recording von Magdalena Vollmer, raumstrategin.com

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Hilke Ludwigs

Mit Henry Ford auf der digitalBAU

Sun, 16 Feb 2020 19:39:44 GMT

digitalBAU 2020 – eine Platform mit Trends und Innovationen

Die digitalBAU ist ein neues Messeformat und präsentiert vom 11.-13.2.20 den Fachbesuchern digitale Lösungen in der Baubranche. Mit dem Selbstverständnis einer Plattform - Veranstaltung bringt sie unter dem Schirm der Messe München, welche die BAU in München veranstaltet, und dem Bundesverband Bausoftware e.V. (BVBS) 270 Aussteller, ein inhaltlich dichtes Rahmenprogramm und Software - Unternehmen und Industrie in Köln zusammen. Zu den Besuchern gehören die am Bau Beteiligten wie Planer, Handwerk und Behörden. Die digitalBAU feierte vom 11.-13.2.20 in Köln ihre Premiere.

In diesem Blogpost beleuchte ich die Messe unter dem Aspekt Trend und Innovation: Ich skizziere exemplarisch anhand von drei Schlaglichtern, welche Trends und Innovationen in der Baubranche relevant sind, und welche Auswirkungen dies auf die Zukunft der Arbeit hat.

Interessant war es, die digitale Wertschöpfungskette des Bauens zu erleben und Insights zu erhalten, Gespräche mit frischen und etablierten Akteuren über Ihre Produkte und die Entwicklungen im Markt zu führen. Mich bewegt dabei auch die Frage, wie sich die Digitalisierung auf meine „Heimatbranche“ auswirkt, welche Lösungen schon im Markt bekannt sind und vor welchen Veränderungen wir stehen. Vorab lässt sich festhalten, dass durchgängig digitale Lösungen eine große Chance bieten, Produktivität und Effizienz zu steigern; ein wichtiger Faktor, wenn man über den Fachkräftemangel nachdenkt und damit auch darüber, wie attraktiv sich die eigene Branche für Nachwuchskräfte aufstellt.

„Das Geheimnis des Erfolges ist, den Standpunkt des Anderen zu verstehen", so ein Zitat von Henry Ford, der damit den Geist der Start Up - Branche ziemlich treffend formuliert hat. Spannend waren für mich hier insbesondere die Gespräche mit Start Ups, die neue Lösungen anbieten- teils mit Lösungen, die auch meinen Arbeitsalltag als Architektin vereinfachen, teils mit Lösungen, an die ich bisher nicht im Traum gedacht habe. Ganz einfach, weil mir bis dahin die Berührungspunkte gefehlt haben. Und das ist ja wiederum das Schöne an einem Messebesuch- der Blick über den Tellerrand und die Geschichten und Themen die die Menschen erzählen.

Zu den für mich neusten Themen gehört die digitale Erkundung mit Drohnen, um aus Bilddaten und GPS digitale Oberflächenmodelle erzeugen. Was bringt das für Vorteile, frage ich Thomas und Florian von P IX4D . Das lässt sich gut zusammenfassen:

- Transparenz, wenn es um die reine Dokumentation des täglichen Baufortschritts geht, sowie über inhaltliche Aspekte.

- Funktionstüchtige Schnittstellen - beispielsweise die Integration von CAD Daten und -Modellen.

- Maßangaben und Mengen, anhand derer der tatsächliche Bau gemessen wird, sich relative abstrakte Mengen wie Schüttkegel berechnen lassen, oder schlicht und ergreifend eine Abformung der Realität mit Daten aus Fotografien.

Beim Betrachten der Beispielaufnahmen, sehe ich eine Mischung aus CAD, Informations- und Fotodaten in einer ganz eigenen Bildästhetik- eine mögliche neue Schnittstelle in weitere Projekte, die mit Datenvisualisierung zu tun haben und auch zu Lösungen in der digitalen Landwirtschaft und anderen Bereichen führen. PIX4D ist seit 10 Jahren auf dem Markt und man kann anhand der Geschäftsfeldentwicklung gut sehen, in welche Bereiche die ehemalige StartUp -Idee gewachsen ist, und wie eng sie sich mit den Herausforderungen verzahnt.

Das zweite Gespräch führe ich mit Matthias von Gebäudecheck und zwei niederländischen Bauunternehmern, die sich für ein Tool zur digitalen Gebäudebewertung interessieren. Wie ausführlich es denn sein darf? Wir einigen uns auf die Langversion für Architekten, wobei sich im Gespräch herausstellt, dass digitales Arbeiten auf der Baustelle extrem wichtig für die beiden ist- und da biete sich auch die kleine Softwarelösung zur Bewertung an, die eigentlich eher auf die Makler – und Immobilienbranche abzielt und deutlich schneller ans Ziel führt- nämlich der Zahl, mit der sich ein Gebäude bewerten lässt. Das zielt nicht nur auf Architekten- und Ingenieursleistungen ab, sondern wendet sich zielgerichtet und smart an Immobilienbewerter, Gutachter und Makler. Eine 2-in-1-Lösung.

Auch das dritte Gespräch mit Maximilian von p+v concept bleibt mir in Erinnerung- in der Produktion von Installationsschächten ist der Fachkräftemangel schon lange angekommen, er findet nicht ausreichend Personal für den weiteren Betrieb. Neben ihm steht „der kleine Roboter“, ungefähr einen halben Meter hoch mit Greifarm, der die fehlende Manpower ersetzt. Wir sprechen über Arbeitsabläufe, eine Ausweitung des Produktionsprozesses und dass es im Moment so sei, dass die Maschinen menschliche Arbeitsvorbereitung benötigen, da der Bewegungsradius und die Arbeitsabläufen eng fokussiert sind.

Da ist sie, die alte Idee vom Fließband: Henry Fords Idee von der Fließbandproduktion ist greifbar, allerdings in einem neuen Kontext.

/// Habt Ihr Interesse an weiteren Schlaglichtern zu Start Ups in der Baubranche?

/// Möchtet Ihr mehr über das Format und sein Rahmenprogramm, das Messekonzept und Designthemen erfahren?

> Schreibt mir eine Mail oder eine PN auf Linked In oder Instagram <

Fotos: Hilke

Pop it up, that Office!

Sun, 19 Jan 2020 19:39:42 GMT

Pop it up, that Office!

Kennst Du das Gefühl, wenn Du ein paar Tage auf dem Wasser verbracht hast, und die Bewegung des Wassers weiterhin spürst, obwohl Du schon längst wieder festen Boden unter den Füßen hast? So ähnlich lässt sich das Pop up Office zusammenfassen. Und das liegt nicht nur daran, dass ich letzte Woche mehr Zeit auf einem Elb-Ponton verbracht habe als am Schreibtisch oder in Präsentations-Terminen.

Worum geht es

Das Pop up Office ist ein Experimentierraum, ein agiles Innovations-Labor, das für 3 Tage und 2 Abende - und darüber hinaus - eine Struktur erzeugt, um Open Innovation, Co-Creation und cross-sektorale Kollaborationen ins Leben zu rufen. Fast eine Woche arbeiten wir in wilder Mischung - kaum zu glauben, aber wahr: Mitarbeitende aus Hamburger Behörden und Kreativschaffende sind gemeinsam im Flow und führen "Culture Sprints" durch.

Den Handlungsrahmen setzen vier Impulsvorträge, die täglich ein komplexes Feld aufziehen, damit wir uns den drängenden Fragen unternehmerischen Handelns auf interdisziplinärer Ebene nähern. Es geht um neue Erkenntnisse zu Kulturwandel, agile Managementansätze, Digitalisierung - und nicht zuletzt auch um zeitgemäße Büro- und Arbeitsplatzgestaltung. Jürgen Bock spricht über Kulturwandel bei OTTO, Arne Schultchen referiert über kreativ-integrative Designprozesse, Lisa Kroll von Dark Horse aus Berlin bringt Innovationsthemen und Methodik mit und Dr. Niklas Keller ordnet Defensives Entscheiden in meßbaren und praktischen Kontext ein, woraus klar wird: Ohne Fehler kein Erfolg.

Um eine zukunftsgewandte Arbeitskultur zu entwickeln, gilt es, interne Strukturen und Prozesse neu zu denken und sich für externe Perspektiven zu öffnen. Wie ginge das Hinterfragen besser als mit Diversität und Teilhabe? Tatsächlich gelingt es mit Empathie, Neugier und Mut, neue Denkanstöße zu entwickeln und am Ende sogar praktische Impulse über Behörden- und Branchengrenzen hinweg, zu formulieren. Spannend und unglaublich ist es zu erleben, wie die Grenzen sich verschieben- wer ist hier nun kreativ, wer denkt betriebswirtschaftlich, äußert Bedenken, denkt quer oder vor? Die Arbeitsweise bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Ambition und der Akzeptanz von Vorläufigkeiten, das bedeutet: Entdeckungswille, Offenheit und aktiver Empathie sind unsere neuen Begleiter.

Die Zeit im Pop up Office ist superintensiv und dicht gepackt mit Eindrücken, Ideen, Austausch und dem gemeinsamen Wunsch, die Zukunft zu gestalten. Das alles lässt sich nicht in einem Satz zusammenfassen, aber erleben: Zum einen bei der Finissage, zum anderen bei den Veränderungen, die jeder Teilnehmende aus dem Prozess mitnimmt: Verstehen- Entscheiden- Machen- Testen. Was danach passiert? Ich würde sagen: Es geht erst richtig los, denn viel Neues ist im Rucksack: Frische Ideen für die Gestaltung von New Work, neue Methoden für Workshops, Modelle für Wissenstransfer. Um es also mit Dark Horse zu sagen: Thank God it´s Monday!

Credits a n dieses unglaubliche Team: Britta, Gönke, Hanna E., Hanna P., Johannes, Jürgen, Lisa, Martina, Melanie, Meng-Chan, Nele, Sabine, Saskia, Tanja, Tobias, Vladana, Wiebke … und an Wolfgang (Facilitation) … und natürlich an Jenny, Raffaela, Lea und Luisa, Theo und Fiona und alle anderen bei der Hamburg Kreativ Gesellschaft (Konzeption und Umsetzung)

Fotos: Hilke Ludwigs

Immersive Carpet Evolution

Sun, 12 Jan 2020 19:45:14 GMT

Immersive Carpet Evolution

Vor mir stehen zwei junge Frauen mit Kopftüchern, ein Asiate mit einer Kamera und hinter mir unterhalten sich zwei Männer auf Russisch. Wir alle warten auf Einlass in diese Black Box, die mit einem schönen Schriftzug im Neon Style EVOLUTION verspricht. Die Box ist seitlich mit Streckmetall-Koffern in exzentrischer Form verkleidet, das ist sicherlich gut gewollt, aber lässt auch nicht näher auf den Inhalt schließen.

Nach 3 x 3 Minuten bin ich auch dran und betrete mit dem Kameramann die Box. Vierseitig verspiegelt mit zwei Projektionsflächen an der Rückseite und an der Decke entwickelt sich nach und nach bei sphärischer Musik eine Unterwasserwelt, die uns in ihren Bann zieht: Schillernde Quallen gleiten anmutig über und unter uns her, Fischschwärme, ein Korallenriff, ein Riesenrochen. Das alles ist sehr anmutig und schön. Ein immersives Raumerlebnis.

In Wirklichkeit befinde ich mich allerdings nicht auf einem Tauchgang sondern auf der Domotex, einer Fachmesse für Bodenbeläge in Hannover, und der Bezug zu Teppich und Designplanke wird mir erst klar, nachdem ich die Erläuterung gelesen habe. Das "Unternehmen Stefany inszeniert seine Produktphilosophie auf so bezaubernde Weise, dass sein Auftritt ... vielleicht sogar ihre Sicht auf das Leben verändert", heißt es auf der Homepage. Vielleicht etwas zu dick aufgetragen, wenn man an die immersiven Raumerlebnisse denkt, die beispielsweise das Kollektiv teamLab in Tokio erschaffen hat - das übrigens f ür Hamburg ein digitales Museum entwickelt, das mit 5.000 m² in der HafenCity geplant ist.

Wo ordnet man diese Art der Installationen ein? Heinz Peter Schwerfel formuliert es im aktuellen art Magazin: "Ist das nun mehr Walt Disney oder Mark Rothko, Kitsch oder Kunst, eine revolutionäre Erfahrung oder bloß raffiniertes Entertainment? Vergeistigte Überwältigungsästhetik oder billiges Netzhautkitzeln auf einem weiteren digitalen Jahrmarkt besucherfreundlicher Nichtigkeiten?" Um dann festzustellen: "Immersive Kunst liegt im Trend."

Ja, das stimmt, an immersiven Installationen kommt keine Messe mehr vorbei - und wir reden hier nicht über die Messestädte Berlin, Köln und München, sondern über den alten Expo 2000 Standort Hannover mit seinem immer zu großen Gelände.

Credits:

Stefany home & Living, leider ohne Infos zu dem oder den KünstlerInnen der Installation

art Magazin, Ausgabe Januar 2020, darin: Heinz Peter Schwefel, "Im Rausch des Sehens", S. 86 ff.

Fotos: Hilke

Present like a Pro!

Tue, 07 Jan 2020 21:04:32 GMT

Present like a Pro- die Zukunft der Präsentation

Wie präsentieren Kreative? Am Regal statt mit Powerpoint.

Der Besuch der HFBK in Hamburg ist jedes Mal eine inspirierende Angelegenheit. Denn neben den eigentlichen Inhalten der jeweiligen Veranstaltung gibt es viel zu sehen, viel zu erfahren und zu lernen, und natürlich viele Menschen mit spannenden Botschaften.

Die Klasse Digitale Grafik lädt aktuell relevante Künstler, Designer und Denker als Gastkritiker, die Veranstaltungen zu Themen anbieten, die die Gesellschaft und die digitale Welt, die alle umgibt, betreffen. Am 7.1.20 hält Matylda Krzykowski eine Lesung und stellt ihre Arbeiten und Positionen vor. Eine spannende Reise, die wie eine echte Lesung in einer Art digitalen Bibliothek stattfindet: Aus den Fachböden eines digitalen Bücherregals auf dem Desktop zieht Matylda einzelne Inhalte wie Bücher: Notizen, Filme, Fotos, Blogs und Homepages, selbstverständlich auch Wikipedia mit einem eigens verfassten Beitrag über die Werkbundkiste.

Diese Art der Präsentation ist für alle, die seit Jahr und Tag mit Powerpoint und Keynote arbeiten, auf den ersten Blick vielleicht befremdlich: Keine feste Struktur, kein festes Layout, kein Titel für Charts und erst recht kein Absender auf jeder Folie, die Corporate, Verfasser und Datum benennt. Auch keine Animationen und auch kein Hilfskonstrukt mit Notizen und Timer, wobei man sich dies auch anders einrichten könnte. Die freie Präsentation ohne ein Software-Gerüst lebt vom freien Erzählen, weniger vom Referieren, was Duden.de amüsanter Weise in die Wortart "schwaches Verb" einordnet. Das Wort leitet sich aus dem Lateinischen ab. "Referre" bedeutet "berichten; sich auf etwas beziehen".

Ganz konkret gibt es in Matyldas Präsentation keine Charts, auf denen Inhalte zu Bulletpoints geclustert sind. Keine Titel-Folien, die versuchen, zu strukturieren. Keine Stockbilder, die zu glossy sind, um anzusprechen. Keine Floskeln, die man schon hunderttausendmal gehört hat. Der Aufbau der Präsentation folgt der Regalstruktur auf dem Desktop. Alle Daten sind in einer Reihenfolge abgelegt und nummeriert, wodurch Inhalte strukturiert werden und Themen als zusammengehörig dargestellt sind. Passend gesetzt werden Verdichtungen, etwa wenn das Auditorium Fragen stellt: Ein ungeläufiger niederländischer Name, getippt im Notepad auf dem Laptop lässt sich pragmatisch an die Wand werfen. "Dafür ist nach dem Vortrag noch Zeit" ist genauso out wie mühevolles buchstabieren, das fast nie zum Erfolg geführt hat.

Was mich neben dieser locker anmutenden, erzählerischen Art zu präsentieren begeistert, ist auch das aktive Networking. Selbstverständlich gibt Matylda Credits an Kreative, Coder, Networker und all diejenigen, die am Erfolg der Projekte einen Anteil haben. Natürlich werden auch die Möglich-Macher genannt, Stiftungen und Institutionen benannt.

Dennoch liegt die Stärke des Vortrags in der Idee des Möglichmachens. Matylda zeigt auf Hindernisse und spitze Steine, benennt Abläufe, die klassischer Weise anders sein sollten, bietet ideelle Lösungsräume und pragmatische Herangehensweisen, streut das Know How des Kunstmarktes nebenbei mit ein und schafft es so, neben all den Informationen und Inhalten noch ganz viel Idealismus und Freude zu transportieren.

Was bleibt?

Ein Ansatz, weniger Datenmengen mit sich wiederholenden Inhalten zu erzeugen, und die Lust, neues auszuprobieren und zu gestalten.

Credits: HFBK Hamburg, Klasse Digitale-Grafik.com und MatyldaKrzykowski.com

Fotos: Hilke Ludwigs

locker flockig

Sun, 05 Jan 2020 20:27:25 GMT

Locker flockig

Was denkst Du, wenn Du „Haferflocken“ hörst? Wahrscheinlich nicht der Flagshipstore "Haferland" in Hamburg. Oder doch? Bei mir ist es so, und darum stelle ich Dir nun eins meiner Lieblings- Projekte vor.

Das Haferland ist Erlebniswelt und Flagshipstore in einem, denn neben dem Verkaufsraum gibt es Einiges zu entdecken. Der zentrale Tresen mit der schwebenden Decke aus Holzquadern ist der Dreh- und Angelpunkt auf der Fläche.

Ein Eyecatcher ist die große Hafermühle rechts vom Tresen. Der Besucher wählt eine von vier Hafer-Mischungen und befördert sie mit großem Schwungrades in eine Tüte. Weiter geht es am Tresen zur Müslimacherstation. Neben bunten Zutaten gibt es hier auch die Möglichkeit, selber ein ein Etikett zu gestalten und auszudrucken- die Widmung darf natürlich nicht fehlen.

Auf der anderen Seite des dreieckigen Tresens befindet sich das Deli. Bei schlechtem Wetter ist der Lieblingsplatz am Kamin, bei Sonne draußen. Die Durchmischung von hohem und niedrigem Sitzen, von Einzel- und Gruppenplätzen passt genau zu den Zielgruppen. Aus dem Deli hat man einen offenen Blick in die Manufaktur. Hier entstehen Speisen und Getränke, die im Rahmen der Konzeption als Signature Food mit dem Team von Peter Kölln entwickelt wurden. Der Raum mit dem gusseisernen Ofen zahlt auf die lange Unternehmenstradition ein und ist in der digitalen Welt sicherlich ein historisch anmutendes Highlight, in dem hochfunktionelle Gastro-Technik steckt. Die Manufaktur kann für Workshops und Events gebucht werden.

In der Markenwelt, dem Store, findet man rechts vom Tresen das eigenes entwickeltes Sortiment. Neben dem Flockensortiment, das man in der Vollständigkeit im LEH nur selten zeigt, findet man Schüsseln, Dosen und Rezepte. Gestalterisch ist die Hauptwand ein Hingucker aus echten Holzwürfeln, in welche das Logo eingefräst ist. Die gemauerten Regale, die Echtholz-Gondeln im Mittelraum, die Schütten und Schaukästen im Fenster wurden passgenau entworfen und authentisch mit echten Materialien umgesetzt.

Was ist aus meiner Sicht das Besondere an diesem Shopkonzept? Kurz gesagt: Die Fülle der Themen und Inhalte. Als Senior Project Manager war ich neben der baulichen Aufgabe als Architektin sicher die Koordination der Schnittstellen- Themen eine große Aufgabe. Neben baunahen Aufgaben rund um Immobilie und trockenes Vertragswesen und den Leistungsphasen 4-9 war ein großer Teil auch die Konzeption und Umsetzung von Bespielung und des Betrieb. So entstand neben der Betriebsplanung und Personalplanungen auch das Bespielungskonzept plus medienwirksamer Eröffnungsfeier.

Das Haferland ist mir nicht nur wegen der Fülle an Teilprojekten in Erinnerung geblieben, sondern wegen der vertrauensvollen, engen Zusammenarbeit mit den Ansprechpartnern und Entscheidern auf Kundenseite, den engagierten Partnern und dem tollen internen Team. Und, sicherlich auch, wegen der leckeren Ergebnissen aus der Probeküche! Dafür noch einmal ein großes „Danke!“ und ein ordentliches Flocken- Konfetti.

Du bist neugierig und möchtest jetzt unbedingt ins Haferland? Dann ab zum Burchhard-Hof / Steinstr. 27, 20095 Hamburg

Credits: Peter Kölln mit Team, Vitamin e Gesellschaft für Kommunikation mbH und alle Beteiligten, die das Projekt so erfolgreich gestaltet haben.

Foto: Photodesigner.com

Studio- und Galeriebesuch "Die Schlumper"

Sat, 09 Nov 2019 22:41:01 GMT

Was gibts im Atelier der Schlumper zu erleben?

Das Atelier als einzigartiger Erlebnisraum - mitten auf der Schanze in Hamburg

Vor einer Woche durfte ich das Atelier der Schlumper auf der Schanze in Hamburg besuchen- was für eine Überraschung! Die Künstler stellen neben Ihrer aktuellen Arbeit auch ihre Arbeitsplätze aus, was einen tiefen Einblick in das kreative Schaffen bringt. Auf dem Foto ist ein Ausschnitt des Arbeitsplatzes von #tongtadmahasuwan an dem man sich fragen kann: Warum ist etwas Kunst? Woraus entsteht Kunst? Meine persönliche Meinung ist, dass Kunst zum Denken anregt und neue Betrachtungsweisen und Perspektiven ermöglicht. Wenn das nicht bei den höchst integrativen Arbeiten der Schlumper funktioniert, wann dann? Hier werden Sichtweisen hinterfragt und neue Positionen geschaffen, einfach aus dem integrativen Tun aller Beteiligter rund um Anna Late, der künstlerischen Leitung.

Das Atelier ist samstags geöffnet, und wer mag, kann auch in der Galerie die aktuelle Ausstellung besuchen. Oder bei der Kunsthistorikerin Sabine Rizzello selber erleben, wie Kunst zu einem einzigartigen Erlebnis wird. Spannend!

Vielen Dank an Anna Laute für die offenen Türen und Themen... Ihr dürft gespannt sein auf 2020, mehr wird noch nicht verraten...

Du möchtest mehr Bilder sehen? Folge uns auf INSTAGRAM.

Credits: Anna-Karoline Pongs-Laute, "Galerie Der Schlumper" und "Atelier Der Schlumper" und Sabine Rizzello

Fotos: Hilke Ludwigs

🚀 agil+lean Workshop am 4.12.19 in HH 🚀 Anmeldung läuft.

Fri, 01 Nov 2019 10:00:37 GMT

�� AGIL + LEAN Workshop am 4.12.19 in Hamburg- schneller als der Nikolaus.

Liebe Kolleginnen und Kollegen,

Wer im Bereich der Planung unterwegs ist, kann am 4.12.19 in Hamburg in einem feinen Workshop für Einsteiger lernen, agil + lean zu arbeiten.

Spoiler: Es ist keine Pflicht, daß man seine Arbeit streng nach den Leistungsphasen aufbaut - nur um das gleich einmal vorwegzunehmen. Die Methode bindet die Phasen zwar ein, was aus meiner Sicht sehr hilfreich ist, weil sie einen Projektablaufplan und eine Struktur vorgeben. Wer also in einer Agentur Markenarchitektuen, Events und Shows plant, wer Retail Designs entwickelt, wer Technischen Ausbau macht, wer als Architekt oder Ingenieur tätig ist, wer als Umsetzer mit einem dieser Kollegen zusammenarbeitet und Messestände baut, Ladeneinrichtungen fertigt, Generalunternehmer ist ... für all diese Berufsfelder paßt der Workshop am 4.12.19 hervorragend, um die Skills neu lernen und auszuprobieren.

Dabei lernen wir von den effektivsten und effizientesten Methoden der Innovationsbranche IT und arbeiten mit kreativen und prozessorientierten Methoden, die auf die Prozesse und Leistungsphasen der Architektur angepasst sind. Scrum und Kanban gehören dann zu unserem Methodenkoffer wie damals Dreikant und Skizzenrolle. Angenommen, wir beginnen, agil + lean zu arbeiten- was kommt dann? Nach meiner Erfahrung kommen dann die guten Freunde zurück: Kreativität, Kommunikation, Vertrauen und mehr Freude am Tun .

Termin ... Mittwoch, 4.12.2019

Zeit ... 9.30 - 17.00 Uhr

Teilnehmer ... Architekten, Innenarchitekten, Landschaftsplaner, Fachingenieure, Planer, Bauzeichner, Organisationsverantwortliche ...

Veranstaltungsort ... Zentrale Lage in Hamburg

... mit gemeinsamen Lunch für Erfahrungsaustausch und Networking.

Mehr zu Thema, Workshop und Organisatorischem wie natürlich auch Timing und Kosten findet sich unverbindlich unter dem Button "mehr erfahren" oder als Download. Wer sich anmelden möchte, folge direkt dem Link ins Märchenland.

�� Goodie gefällig?

Wer schon immer mal einen echten Gründer kennenlernen wollte und einen Blick in den Alltag eines Start ups bekommen wollte, der nicht wie die TV Show "Höhle der Löwen" aufpoliert ist, kann sicherlich ein paar wertvolle Insights mitnehmen ...

Foto und Grafik: Plan4Software GmbH, https://plan4software.de

Der Ansatz "Jackson Pollock 2.0"

Wed, 30 Oct 2019 21:34:40 GMT

Was ist eine "Amazing Augmented Tagger Machine"?

Art without Humans?

Kunst ist streitbar. Kunst ist Kommunikation. Kunst verändert Denken.

Alsino Skowronnek ist Data-Designer, Map Maker und Produzent Visueller Artefakte. Er lotet mit s einer „ Amazing Augmented Tagger Machine “ das kreative Potential von KI (Künstliche Intelligenz) aus. Die in Hamburg auf dem „ Cities Without “ Sum mit im Oktober 2019 vorgestellte interaktive Installation lässt mich nicht los und ich frage mich noch einige Tage danach: Ist es nur ein nettes Experiment - oder mehr?

Skowronneks Tagger Machine nimmt von Menschen erzeugte Graffiti Tags als Input und generiert aus einer Kombination von selbst entwickeltem Code und Machine Learning (ML) eigene Tags daraus. Abgefahren! Die Ergebnisse sehen seltsam vertraut und gleichzeitig fremd aus. Kommen diese Zeichen aus einer anderen Zeit, von einer anderen Zivilisation oder einer anderen Intelligenz? Aus Skowronneks Kreativkonzept entsteht eine Interaktion zwischen Mensch und Maschine, die neue Symbole erschafft. Werden sie Bedeutung haben? Identität erzeugen?

Was mich überzeugt ist das Format - der Artist Talk - und die mit der Installation verbundene Frage: Is there art without humans? Ich finde nicht. Es geht um den Prozess und in diesem Fall: um die kreative Idee dahinter. Eingebunden in den Kreativprozess kann auch AI zur Kunst beitragen, indem sie das Konzept und/oder den Content transportiert. Denn am Ende geht es um den Menschen und die Teilhabe an der Entstehung von Neuem.

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Anmerkungen von Artelier Atmospher:

1. Herzlichen Dank an Roman von https://geistderzukunft.wordpress.com für die Erstveröffentlichung. Wer sich stärker über die technischen und gesellschaftlichen Auswirkungen von Digitalisierung und Zukunftsthemen im Allgemeinen interessiert, dem sei ein Blogbesuch ans Herz gelegt.

2. Wer sich jetzt fragt, was das mit Jackson Pollock zu tun haben kann, der mit seinen Drip Paintings zu Weltruhm kam, kann die Gemeinsamkeit zwischen Pollock und AI Art in der Entwicklung eines neuen Kreativprozesses entdecken, der zu Beginn heiß diskutiert wird. Es bleibt abzuwarten, wie die Entwicklung fortschreitet ...

3. "art and technisches are challenging each other: its like a dance. then there is a balance between them. going back and forth, all the iterations, like in a dance - it is achievable. then there is a balance between them." So beschrieb Jay Ward, schöpferischer Geist bei Pixar auf der IFA 2019 das Verhältnis zwischen Technik und Kunst.

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Diskussionsbedarf, bevor Kopf und Tagger Machine heiß laufen?

�� Zeit und Lust auf eine Lesson, einen Talk oder eine Diskussion?

�� Dann schnell eine Info an hello@artelieratmospher.com senden!

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Das Summit " Cities Without " wurde vom HCU City Science Lab und dem MIT Media Lab organisiert und durchgeführt.

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Credits an ... Alsino! Vielen Dank für die Bilder ... und Credits an Roman, der den Blog Geist der Zukunft betreibt und seinen Beitrag hier exklusiv erstveröffentlicht. Wer mehr Content und mehr Infos und Bilder möchte, folge den Links.

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Text: Roman von https://geistderzukunft.wordpress.com 2019

Fotos: Alsino Skowronnek 2019

agil+lean lernen!

Tue, 22 Oct 2019 19:55:23 GMT

AGIL + LEAN, WIE ARCHITEKTEN SO SIND.

Eilmeldung an die Gute Fee der Architekten. Frist: 15.10.2019

Oder: Liebe Kolleginnen, liebe Kollegen,

was wäre der eine Wunsch, den die gute Fee erfüllen sollte, damit es mit der Arbeit einfacher und weniger komplex ist? Ich habe einen Vorschlag, auf den wir uns einigen könnten: Beginnen wir, agil + lean zu arbeiten.

Das klingt wie ein Märchen? Ist es aber nicht: Plan4 ist ein StartUp aus dem sonnigen Süden und sprintet zum allerersten Workshop nach Hamburg.

Wann ... Montag, 18.11.2019

Wer ... 6 Plätze sind noch frei

Wer noch ... Architekten, Innenarchitekten, Landschaftsplaner, Fachingenieure, Planer, Bauzeichner, Organisationsverantwortliche ...

Deadl ine ... Freitag, 25.10.2019 ... !! Achtung , das ist schon Ende der Woche ;-)

Wo ... Hamburg

Foto und Grafik: Plan4Software GmbH, https://plan4software.de

Bauhaus forever

Sat, 05 Oct 2019 15:16:27 GMT

Happy Birthday, Bauhaus!

"Mein liebes altes Bauhaus,

zum 100-jährigen Geburtstag schaue ich mit Dir zurück. Es ist lange her, daß wir uns kennengelernt haben. Auf den 1. Blick folgte eine große Liebe und wir verbrachten viel Zeit zusammen. Viel habe ich von Dir gelernt. Mut, Offenheit und das Denken über den Tellerrand hinaus. Bleib so frisch wie Du bist, hol alles an Strahlkraft und Innovationsfreude heraus,

was geht, und beschenk uns weitere 100 Jahre mit Inspiration und Neugier.

Danke, und alles Liebe für Dein weiteres Leben,

D. H."

Für Interessierte empfiehlt sich ein Städtetrip nach Weimar oder auch nach Dessau, denn das Bauhaus feiert 2019 seinen 100-jährigen Geburtstag. Oder man fliegt über den großen Teich nach London, um die lebendige Atmosphäre von Beton Brut- Architektur zu erleben und künstlerische Positionen und Ausstellungen zu besichtigen.

Foto: Artelier Atmospher, aufgenommen im Barbican Center London

Carwash!

Thu, 26 Sep 2019 13:55:30 GMT

"Come some of the work / get's kind of hard / This ain't no place to be / if you planned on being a star / Let me tell you it's always cool / And the boss don't mind / sometimes if you act a fool // At the car wash, woooh / Talking about the car wash, yeah // Come on y'all and sing it for me / Car wash, woh, car wash yeah ..."

Große Freude und helle Aufregung beim Rundgang der HFBK Hamburg in der Klasse von Prof. Anselm Reyle, als sich der Automat endlich in Bewegung setzt! Der bunte Carwash ist die Abschlussarbeit von Patrick Will und Caspar Wülfing. Wer die Ausstellung verpaßt hat, findet ein Video auf YouTube. Ähnliches gesehen bei der ART BASEL unlimited, da allerdings mit deutlich weniger Vergnügen als "Don´t touch!"- Version. Congrats!

Songtext: "Car Wash", R. Royce

Video auf YouTube: "HFBK Absolventenausstellung 2019: Tizian Baldinger, Chris Drange, Patrick Will/Caspar Wülfing", hochgeladen von " HamburgHFBK" am 8.10.2019

Foto: Artelier Atmospher

Am Pool mit David

Mon, 26 Aug 2019 13:53:24 GMT

Surprise! Wer sich - wie ich- fragt, wieso David Hockney im Hochsommer ausgerechnet nicht am Pool wartet, findet die Antwort in der Sonderausstellung " Portraits d'artistes" von André Ostiers. Denn der Sommerspaziergang gehr weiter durch die Ateliers von Henri Matisse, Pablo Picasso, Joan Miró und Francis Bacon. Wer dann noch aufnahmebereit ist: Das Musée Matisse ist ja noch ein Weilchen geöffnet.

Foto: Artelier Atmospher

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MATCH: DEEP INSIDE

MATCH: DEEP INSIDE ﻿

Let´s cross-innovate!

3 Tage Sprint = 2 innovative Lösungen

One Sky Flags: Horizonte der Freiheit

One Sky Flags. Horizonte der Freiheit

SHIFT

KI, Kunst und Architektur - eine dekonstruierte Gemeinschaft?

Über die Ausstellung "SHIFT - KI und eine zukünftige Gemeinschaft" im Marta Herford

Kunst goes Ku´damm

current surface - Kunst am Ku´damm in Berlin

Creative Business Academy

Creative Business Academy: Boost für Unternehmen der Kreativwirtschaft startet aktuell in Hamburg.

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2 x 9 Positionen: DuoShow Hamburg

MeetFrida in Hamburg goes "Beyond Space": Zwei Denkmäler, zwei Städte.

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Messesommer und Messeherbst

IFA 2020 Special Edition

Throwback 2020: "Die IFA Special Edition positioniert sich zwischen Gestern und Morgen"

Throwback IFA 2020

Die IFA 2020 Special Edition positioniert sich zwischen Gestern und Morgen

Pop up the Beyond Gallery

Der Pop Up Art Space " Beyond Gallery " der MeetFrida Art Foundation ﻿ zum Gallery Weekend 2022 in Berlin

Kwade ist abwesend.

"In Abwesenheit" ist das Selbst-Porträt von Alicja Kwade.

Ein Selbst-Porträt im weitesten Sinne.

Creative Consulting

Heute Deine Arbeitswelt von morgen gestalten. Das geht nicht ohne Kreative.

Where is The Nose?

I am Myself. The Nose 2021

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Ein Irokesenschnitt für die biedere Hainbuchenhecke

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Endlich: Digitaler Auftakt zum Cross Innovation Lab

Sommer am Pool

Oberfläche ist eine Illusion. Und Tiefe auch.

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Nichts ist so beständig wie der Wandel. Wußte schon Heraklit.

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Das Museum Marta Herford ... und was das mit Marketing zu tun hat

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Studio- und Galeriebesuch "Die Schlumper"

Was gibts im Atelier der Schlumper zu erleben?

🚀 agil+lean Workshop am 4.12.19 in HH 🚀 Anmeldung läuft.

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